Con Willaert llegaron a Italia la polifonía y el contrapunto, provocando allí la fundación de varias escuelas. La más importante fue probablemente la de Venecia, que tuvo su centro en la catedral de San Marcos. Este templo recibió un segundo órgano; también su coro fue desdoblado, y así los juegos contrapuntísticos hallaron un amplio campo de acción. La grandiosidad de la música llegó a su punto culminante. Como organistas o maestros de capilla actuaron en San Marcos muchos de los más grandes músicos de la época. Conviene destacar aquí el papel importantísimo que tuvo a comienzos del siglo XVI la invención de la imprenta musical. Fue el veneciano Ottaviano dei Petrucci (1466-1539) quien aplicó la idea de Gutenberg a la impresión de notas musicales. Esto multiplicó el público con que pudieron contar las obras, y las posibilidades de su ejecución lejos del lugar en que se encontraba su autor.

La música del siglo XVI culmina en dos figuras cuya trascendencia no ha disminuido hasta el día de hoy: son el italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594), y el flamenco Orlando di Lassus (1532-1594), el más célebre de los músicos de su tiempo, autor de más de dos mil obras. Palestrina es considerado ante todo como compositor religioso, mientras el flamenco creó por igual obras profanas y religiosas. Al compositor italiano se lo considera a menudo incluso como el salvador de la música en la Iglesia Católica, por haber escrito una misa modelo la Missa Papæ Marcelli, que convenció a los cardenales reunidos en el Concilio de Trento. Porque había llegado a tal grado de decadencia la música eclesiástica, que algunos de aquéllos pensaron seriamente en excluirla de los oficios divinos. Contemporáneo y, según parece, también amigo de Palestrina, fue otro gran maestro: el español Tomás Luis de Victoria (1548-1611), autor de cuarenta y cuatro motetes, veinte misas y numerosos himnos, salmos, antífonas, etc. Se considera como su obra más notable el Réquiem para la emperatriz María. No es casualidad que España cuente en aquella época con uno de los mayores músicos de Europa, pues el esplendor político del país repercutió en el brillante florecimiento de las artes. En el campo de la música se destacan Luis Milán, Luis de Narváez, Cristóbal Morales y, ante todo, el gran Antonio de Cabezón (1510-1566), organista y clavecinista además de compositor. Mención especial merece el teórico Bartolomé Ramos de Pareja (¿1440? 1521?), que propuso ya en 1480 la subdivisión de la octava en doce semitonos iguales, conquista que se concretó sólo dos siglos más tarde, formando desde entonces el fundamento de toda la música europea.

El Madrigal

En sus comienzos el madrigal puede compararse a la canción; pero pronto abandona la sencilla línea melódica y se convierte en composición poético musical a varias voces. Surge en la época del Dante, Petrarca y Boccaccio, que contribuye ron con muchas poesías a su florecimiento. Sus compositores más importantes en el siglo XIV fue ron Giovanni da Cascia, Francesco Landino y Jacopo di Bologna, a quienes se deben cantos de amor a dos o tres voces, en fluido contrapunto. También pueden ser sustituidas las voces por instrumentos, lo que confiere al temprano madrigal el carácter de un lied acompañado. El siglo xv muestra una pasajera decadencia para el madrigal, que resurge en el siglo XVI con renovadas fuerzas gracias a maestros de la talla de Willaert, Arcadelt, Marenzio, Orlando di Lassus, Monteverdi y muchísimos otros. El madrigal es ya una composición a cinco voces a cappella (sin acompañamiento instrumental). No se limita a Italia. Así, en Inglaterra, grandes maestros como Dowland, Morley y Gibbons se cuentan entre sus insignes cultores; en Francia se destaca Clément Jannequin (1485? 1560?), que trasladó a la música, en un estilo realista, aspectos de la vida diaria y motivos de la naturaleza. En el siglo XVII el madrigal sufre una transformación natural: de acuerdo con los nuevos principios musicales y el consiguiente nacimiento de la armonía, también esta forma se hace monódica (a una sola voz, apoyada en acordes).

PERIODO BARROCO

Nacimiento de la Ópera y el Oratorio

Durante siglos, la polifonía había dominado el estilo musical de todos los pueblos europeos. Hacia fines del siglo XVII, el completo cambio producido en la filosofía y la manera de vivir y pensar originó profundas variaciones en el arte. El subjetivismo busca su expresión en las melodías sentimentales, pues no la puede hallar en la polifonía y a través del rígido contrapunto, manifestados siempre en obras de conjunto. Al mismo tiempo, el oído humano, en su paulatina evolución, llegó a convertir en unidades sonoras las notas emitidas simultáneamente (y que antes habían sido consideradas sólo como integrantes de líneas melódicas). Así nació el sentido armónico en la música, uno de los principios fundamentales de ésta. Se forman acordes y unidades de tres notas, y luego de cuatro e incluso de más. Pueden apoyar a una melodía y darle un nuevo sentido. Tienen fuerza de expresión. En Florencia, ciudad preclara del Renacimiento, se reunieron, hacia fines del siglo XVI, poetas, músicos, científicos y filósofos deseosos de hacer revivir con la mayor intensidad posible el arte y la vida de la antigua Grecia, considerados como ideales. Estas reuniones se celebraban preferentemente en el palacio de Giovanni Bardi, conde de Vernio. En ellas, a través de tanteos y ensayos artísticos, se logró la creación de formas nuevas. En 1594, en una de tales reuniones fue estrenado un drama con cantos, Dafne. Su partitura se perdió, pero por los testimonios existentes puede considerarse como la primera ópera. Seis años más tarde, en el palacio Pitti, se da a conocer Eurídice, obra con la que comienza la historia del arte lírico. Su cuna fue, pues, Florencia; su año inicial, 1600. Y sus más inmediatos creadores, el poeta Ottavio Rinuccini y los compositores Iacopo Peri (1561-1633) y Giulio Caccini (¿1550? 1618).