En vísperas de la primera Guerra Mundial y después, como consecuencia de la misma, el arte en sus más diversos géneros atraviesa por una etapa de crisis. Por lo que respecta a la música, algunos innovadores consideran caducas las reglas no sólo de la armonía tradicional, sino de todo el arte musical del siglo xix. Y ello, lógicamente, origina fuertes polémicas y luchas. Igor Feodorovich Stravinski (1882), tras sus primeras composiciones que denotan la influencia de Rimsky-Korsakov, a la sazón maestro suyo, da a conocer los ballets El pájaro de fuego, que le había encargado Diaghilev, y Petrushka. Su estreno en París, en 1910 y 1911, respectivamente, comenta su fama, que se afianza con la presentación en 1913 de La consagración de la primavera, ballet muy discutido por sus innovaciones de armonía y ritmo. Durante la guerra, definitivamente exilado de Rusia, llega a un politonalismo revolucionario; luego, consecutivamente, cultiva varíos otros estilos experimentales que lo revelan un incansable buscador, fiel reflejo de una época inquieta. Aparte de sus ballets, ha compuesto numerosas obras para orquesta (Sinfonía de los Salmos, Concierto en re mayor. Tango arreglo de una anterior pieza para violín. Sinfonía en tres movimientos, etc.), música coral para piano, etcétera. Béla Bartók (18811945) vive una evolución parecida. Al igual que Stravinski en lo ruso, Bartók está arraigado en lo húngaro, pero ya no como al estilo romántico. Utilizando un folklore pintoresco, llega a estilizaciones elevadas, y a través de éstas a un estilo novedoso y personal, en el cual las armonías anteriores carecen de validez. Va prescindiéndose de la distinción entre consonancia y disonancia, sustituyéndolas por nuevos principios como linealidad (contrapunto libre) y, finalmente, dodecafonismo. Este último paso es dado por Arnold Schönberg (1874-1951), vienés de nacimiento, luego radicado en Berlín y después en los Estados Unidos. En un principio siguió las huellas románticas de Wagner, mas no tardó en avanzar hacia la total desintegración de las leyes musicales anteriores. Pero no se detuvo allí; ideó un nuevo sistema de composición llamado docetonalismo o dodecafonismo. Su prestigio de teórico alcanzó ya en vida un alto grado, siendo el conductor de una verdadera escuela mundial. No es menor su importancia como compositor, y especialmente las últimas obras Oda a Napoleón, Pierrot lunar, Un sobreviviente de Varsovia y la ópera Moisés y Arón quedarán, probablemente, como vivo testimonio de toda una época musical.

De sus innumerables discípulos merecen citarse, ante todo, los de la primera hora: Alban Berg (18851935), creador del grandioso drama musical Wozzeck; Anton von Webern (1883-1945), el más consecuente en la búsqueda de nuevos caminos, y Ernst Krenek; en Italia sigue Luigi Dallapiccola su camino; en Francia, René Leibowitz, y por lo menos temporalmente, los jóvenes como Pierre Boulez, adepto de la música electrónica y toda suerte de vanguardismos.

Otro innovador notable es el alemán Paul Hindemith (1895), quien, después de comienzos revolucionarios, halló un estilo propio y entroncado con el lejano pasado musical de la época gótica. Entre sus más valiosas obras se cuenta la ópera Mathis el pintor, el ballet Nobilisima visión y mucha música para conjuntos de aficionados. Un grupo de gran importancia se formó en París durante la primera postguerra. Inspirados por Cocteau y Eric Satie, se reunieron los seis: Darius Milhaud, Arthur Honegger, Francis Poulenc, Ceorges Auric, Louis Durey y Germaine Tailleferre. Milhaud (1892) creó valiosas óperas (ante todo Cristóbal Colón y David), piezas orquestales algunas con fuertes reminiscencias de su estada en el Brasil e instrumentales; Honegger (1892-1955) logró grandes realizaciones con El rey David y Juana de Arco en la hoguera (ambos oratorios escénicos), con profundas sinfonías y otra música orquestal; Francis Poulenc (1899) compuso numerosas obras, entre las quo merecen ser destacadas una misa y la ópera Diálogo de Carmelitas (basada en el famoso texto del escritor francés Ceorges Bernanos). So le debe asi mismo mucha música vocal e instrumental, de gran inventiva y, a menudo, de cautivante estilo.

Personalidad muy notable es el compositor Sergei Prokofiev (1891-1953). Entro sus composiciones más valiosas figuran las óperas El amor por las tres naranjas y La guerra y la paz, la pieza infantil Pedro y cl lobo, varias sinfonías, muchos conciertos y música cinematográfica. Entre sus compatriotas más jóvenes se destacan Dmitrí Shostakovich (1906), autor de sinfonías, música de cámara para piano, etc.), y Aram I. Khachaturian (1903) cuyas primeras obras ballets y conciertos Harnaron la atención por su fuerza y el hábil manejo de temas folklóricos armenios. También Inglaterra tiene varias figuras prestigiosas en la música moderna Anto todo, Benjamin Britten (1913) y William Turaer Waltoo (190°). Del prirocro se difundieron las óperas PctCT Crimes. El rapto dc Lucrecia, Hagamos una ópera y Una cuelta detuerca; del segundo, un Concierto de viola, la ópera Troilus y Créssida y el oratorio La fiesta de Belsazar. Entre los autores franceses del modernismo hay que mencionar a Olivier Messia en (1908); entre los alemanes, al originalísimo Carl Orff (1895), autor de Carmina Burana, Catulli Carmina, El triunfo de Afrodita, La luna, etc., y a Werner Egk. En Italia se distinguen Alfredo Casella, Godofredo Petrassi, Francesco Malipieroe Ildebrando Pizzetti; en Suiza, Willy Burkhard y Frank Martín. Entre los españoles destacan los hermanos Ernesto y Rodolfo Halffter, Julián Bautista y Joaquín Rodrigo. Uno de los fenómenos fundamentales en la música del siglo xx fue, sin duda, la irrupción de la música de jazz. No es de extrañar que varios compositores hayan ensayado una síntesis entre la música clásica y la de jazz. En principio, una fusión entre ambas tropieza con serios obstáculos; sin embargo, varios elementos del jazz especialmente rítmico llegaron a tener fuerte influencia en la producción de compositores eminentes como Ravel, Stravinski, Kurt Weill, Milhaud, Copland, Carlos Chávez, etcétera.

Esta nueva tendencia es quizá la última consecuencia de un Romanticismo tardío; se esfuman los contornos; acordes y ritmos pierden toda dureza y agresividad; un dulce sueño parece envolverlo todo. El gran maestro del impresionismo es Claude Achille Debussy (1862-1918); escribe una música fina, sensual, nostálgica, que significa una muy avanzada descomposición de la melodía, la armonía e incluso los ritmos tradicionales. Sus obras principales son: la ópera Pélleas et Mélisande, los poemas sinfónicos La siesta de un fauno y El mar, piezas pianísticas y de cámara, el misterio Martirio de San Sebastián, etcétera. Aunque Debussy, por su carácter individualista y su voluntario aislamiento, no formó escuela propiamente dicha, el impresionismo se difundió mundialmente. Entre sus compatriotas figuran junto a él Gabriel Urbain Fauré (1845-1924), Henri Duparc (1884-1933) y Paul Dukas (1865-1935), autor del famoso poema sinfónico El aprendiz de brujo. Ravel, Falla y Stravinski pasan, en sus años jóvenes, por períodos impresionistas; el norteamericano Edward Mac Dowell (1861-1908) lleva esta tendencia a su tierra. En Italia, el más importante sinfonista del país hasta aquel momento, Ottorino Respighi (1879-1936), halla en este estilo la adecuada expresión para sus coloristas estampas musicales Las fuentes de Roma y Los pinos de Roma. Cerca del impresionismo se halla Aleksander Nikolaievich Scriabin (1872-1915), compositor ruso de perfiles tan propios como interesantes. Entre sus obras orquestales se cuentan Poema del éxtasis y Prometeo; entre las pianísticas, algunos estudios. Su Prometeo fue interpretado en Nueva York con ayuda de un piano de luces invento del inglés Rimington que proyectaba sobre una pantalla colores equivalentes a las tonalidades de la composición.

El Verismo Operístico

Al mismo tiempo que un gran grupo de músicos, pintores y poetas buscaron en el impresionismo la salida de un Romanticismo en decadencia, otros querían retrotraer el arte hacia el naturalismo. Así nació en el arte lírico el verismo, tendencia que toma sus argumentos de la propia vida y los trata con el mayor realismo posible. Esta tendencia se anunció ya en La Gioconda, de Amilcare Ponchielli (1834-1886),y alcanza su punto culminante en Ruggiero Leoncavallo (1858-1919), creador de Los payasos; en Pietro Mascagni (1863-1945), quien con El amigo Fritz,Iris y Nerón no pudo repetir el triunfo mundial de su Cavallería rusticana; en Umberto Giordano (1867-1948),autor de Andrea Chénier. Giacomo Puccini (1858-1924), el más fuerte talento de la ópera italiana posterior a Verdi, supera el puro verismo en la creación de varias obras maestras como La Bohème, Tosca, Madame Butterfly y la póstuma Turandot; escribió, además, Gianni Schicchi, una de las mejores comedias musicales de todos los tiempos.

EL SIGLO XX. Los Continuadores

En una época tan variable y multiforme como el siglo xx es muy difícil establecer líneas de evolución mientras ésta va desarrollándose. Hay compositores que se sienten fuertemente ligados con la tradición, y otros que tratan de innovar en el arte, de acuerdo con las revoluciones sociales y filosóficas de su tiempo. Entre quienes no pierden contacto con el pasado figura Richard Strauss (1864-1949), a pesar de la etapa revolucionaria que denota su arte al crear las óperas Salomé y Electra. Pero luego Strauss no da el último paso que lo separaría definitivamente de la tradición; muy por el contrario, vuelve por los fueros de la melodía y la armonía postrománticas y casi neoclasicistas. Compone El caballero de la rosa, Arladna en Naxos, La mujer sin sombra y otra larga serie de óperas valiosas. En el campo sinfónico sus poemas orquestales (entre otros, Don Juan, Don Quijote, Till Eulenspiegel, Muerte y transfiguración) han conquistado un lugar prominente en el repertorio mundial. Son destacables, asimismo, muchos bellos lieder. Joseph Maurice Ravel (1875-1937) es igualmente, a pesar de sus innovaciones, más bien un tradicionalista. Se libera del estancamiento impresionista gracias a la influencia del ballet ruso y su genial creador, Diaghilev; Ravel descubre el poder del ritmo (incluso del jazz). Su comedia musical El niño y los sortilegios, su ópera ballet La hora española, sus ballets Mi madre la oca y Dafnis y Cloe, el poema coreográfico La valse y su famoso Bolero lo prueban claramente. Merecen ser citadas además su música de cámara, sus canciones y las obras para piano (entre éstas dos conciertos). Algunos de los compositores que pertenecen a este grupo ya han sido citados con anterioridad; tal es el caso del finlandés Sibelius y el alemán Pfitzner, cuyas largas vidas los colocan en épocas musicales muy diferentes. Debe mencionarse también al alemán Max Reger (1873-1916), quien busca una línea moderna basándose en las artes contrapuntísticas del pasado.

En forma casi paralela a la tendencia modernista, pero situado estéticamente en el polo opuesto de ésta, surgió un saludable movimiento que busca el reverdecimiento del jazz a través del cultivo de sus recursos prístinos. La música emprendió entonces una provechosa marcha atrás en busca de las raíces de la escuela de Nueva Orleáns. Como consecuencia de este movimiento neoclásico, diversos cultores del jazz, olvidados por una crítica injusta o mal informada, han retornado al plano de la actualidad. Dicha tendencia ha conducido asimismo a exámenes más detenidos de aspectos del arte sincopado de las décadas pasadas, anteriormente estudiados con premura o descuidados por completo. Y también ha insistido acerca de enjundiosas expresiones del subsuelo del jazz, como los blues y el arte folklórico afro estadounidense en general.

Desde entonces, en Nueva Orleáns el jazz ha recobrado su importancia. En la actualidad, artistas veteranos y jóvenes creadores que han sabido perpetuar una antigua y saludable tradición estética, rivalizan en sus expresiones del más puro cuño clásico.

El jazz está hoy definitivamente aceptado, no sólo como una creación folklórico popular de singulares relieves, sino también como un notable aporte a la órbita de la música universal. Este aporte no puede ser desconocido, como lo prueba la generosa bibliografía que se ha elaborado en torno del mismo, la elección de tal tema para tesis universitarias, la formación de un museo de jazz en Nueva Orleáns, y los cursos que sobre la materia se dictan en colegios y universidades de Europa y de América. La utilización por músicos “cultos” de temas melódicos emanados de fuente folklórica y popular, no constituye un derrotero privativo de la música de nuestro tiempo. En todas las épocas en todas las latitudes los compositores han recurrido al venero artístico del pueblo, con el propósito de refrescar su inspiración y eludir la esterilidad. En este sentido, el jazz no podía constituir la excepción. Por el contrario, sus recursos han atraído en forma casi absoluta a todos los compositores contemporáneos de las más diversas tendencias estéticas.

Después de los experimentos realizados por Dvorak, Frederick Delius, Louis Moreau Gottschalk, Debussy y otros músicos académicos, encauzados hacia la búsqueda de una renovación estética mediante el empleo de ritmos, de temas melódicos y de timbres de la música afroamericana, no pocos compositores se lanzaron tras las huellas del jazz para probar fortuna con la utilización de sus recursos en obras de mayor aliento. En 1918, con la llegada al Viejo Mundo de las primeras ráfagas del jazz, Igor Stravinski penetró de lleno en la órbita del arte hot con su famoso Ragtime para once instrumentos, La historia del soldado, Piano Rag Music, la ópera bufa Mavra y, más recientemente, su Ebony Concerto, escrito especialmente para el clarinetista de jazz Woody Herman, quien luego correspondió a su atención dando el título de Igor a una de sus composiciones. De los componentes del famoso grupo de los seis, ninguno desdeñó el empleo del jazz. Por su parte, Ravel no permaneció ajeno a este movimiento. De su interés jazzístico nacieron el foxtrot inserto en su fantasía lírica El niño y los sortilegios; el blues de su Sonata para violín y piano; el Concierto en sol mayor, para piano y orquesta; el Concierto en re mayor para la mano izquierda, para piano y orquesta, y aun su Bolero, que, según se asegura, le fue sugerido por una improvisación del clarinetista negro Jimmie Noone.

Una vez que el jazz se introdujo en el ambiente artístico europeo, su influjo se extendió a través de toda la música contemporánea del Viejo Mundo. Como repercusión del movimiento jazzístico de los músicos europeos, los compositores estadounidenses, que hasta entonces sólo habían glosado los negro spirituals y otras ramas de la música vocal afronorteamericana, comenzaron a beber en la fuente del jazz. Era al promediar la década de 1920. Hoy es interminable la lista de músicos que se han inspirado en este género, desde Edward Burlingame Hill, John Alden Carpenter, Deems Taylor, Ernest Bloch y Robert Braine, hasta Aaron Copland, William Grant Still, George Antheil y Louis Gruenberg. Presenta George Gershwin un caso totalmente distinto, pues había penetrado en los dominios de la música de escuela por la puerta de la canción popular, del tema intrascendente de la comedia musical, y logró escalar la fama con una producción de características muy personales. Entre los compositores estadounidenses que mejor captaron el lenguaje del jazz, merece especial mención Robert Mac Bride, que hizo su aprendizaje como clarinetista en orquestas del género, y a quien se deben páginas tan interesantes como Go Choruses, Jingle Jangle y Swing Stuff, todas ellas de acento e intención claramente jazzísticos. Pero es en el Quinteto para oboe y cuerdas donde su idioma se identifica mejor con el jazz. especialmente por los esfuerzos que realiza el compositor para captar el timbre y la flexibilidad rítmica de la música sincopada, dentro de las exiguas posibilidades que le brinda el instrumental empleado.

Al mismo tiempo, las nuevas formas adquieren una agilidad, elegancia y claridad anteriormente desconocidas; las melodías, aunque largas, son simétricas y sencillas; las armonías, simples. Las disonancias surgidas de vez en cuando, se resuelven pronto y sin crear problemas auditivos. Nace así el estilo clásico (rococó o galante, según denominación de algunos), que cubre los últimos decenios anteriores al profundo y brusco cambio que representa la Revolución Francesa. El nuevo estilo domina en toda Europa: lo adoptan los hijos de Bach, radicados en numerosos países; Stamitz y su escuela, en Mannheim; Luigi Boccherini (1743-1805), en Italia y España; Cosscc, en Francla. Y en Austria nacieron Dus dos máximos maestros: Haydn y Mozart.

Franz Josoph Haydn

De humilde origen campesino, nacido en Rohrau, en las cercanías de Viena, Haydn (1732-1809) se clavó por su propio esfuerzo hasta llegar a convertirse en cl músico más célebre de su tlempo. Educado entre Los Niñios Cantores de la Catedral de Viena, luchó duramente para poder proseguir luego los estudios musicales; fue contratado primero por el conde de Morzin como director de la orquesta de su castillo, en Bohemia, y luego por el príncipe de Esterhazy para dirigir la Capilla de música de su palacio, en Hungría. Permaneciendo allí cerca de treinta años, adquirió notoriedad gracias a sus magistrales composiciones incluidas en los conciertos de dicho conjunto. Radicado en Viena al disolverse la orquesta palaciega en 1790, Haydn recibe honrosas invitaciones de varios países y acepta la de Londres, ciudad donde realiza con éxito dos temporadas de conciertos. Sus ciento cuatro sinfonías son modelos del género, alcanzando también una gran calidad sus cuartetos de cuerda y sus numerosísimas composiciones para instrumentos solistas. En Londres oye los oratorios de Haendel, de suma popularidad allí, y en él surge el deseo de crear, a su vez, obras de este tipo, al alcance del pueblo. Nacen así Las Estaciones y La Creación. Haydn murió durante la ocupación do Viena por las tropas napoleónicas.

Wolfgang Amadeus Mozart

Hijo de un excelente músico al servicio del obispo de Salzburgo, la infancia de Mozart (1756-1791) constituyo el más sorprendente y notable caso de niño prodigio conocido hasta la fecha. Pianista, violinista, organista y compositor a edad juvenil, llegó, en asombroso proceso de perfeccionamiento, a una madurez prematura y a una maestría difícilmente alcanzada por otros músicos. Sus creaciones abarcan todos los géneros, llegando a igual perfección tanto en el dramático como en el sinfónico y en la música de cámara, instrumental y vocal. Su última obra, el Requiem, dejada inconclusa a su temprana muerte, es una de las más bellas composiciones religiosas de todos los tiempos. Entre sus mejores óperas figuran Don Juan, Las bodas de Fígaro, El rapto del serrallo, Così fan tutte y La flauta mágica.

Tristes son las circunstancias materiales que rodean su vida; una vez salido del servicio casi tiránico del obispo salzburgués. Mozart no logra ya ninguna estabilidad. No haya puesto bien remunerado ni consigue asegurar el sustento de su familia por medio de sus obras. La última enfermedad y la prematura muerte, a los 35 años de edad, lo sorprenden en la miseria; el entierro en la fosa común, y sin acompañamiento alguno. En Alemania nace un espectáculo popular llamado singspiel (poco más o menos, comedia con canto), que halla gran repercusión y al cual per constituye una sombría y vergonzosa página de la historia de la música.

La Evolución de la Ópera

Contemporáneos de Mozart (quien en su estilo operístico pertenece en buena parte a la escuela italiana), descuellan numerosos compositores que aseguran a los espectáculos líricos la primacía en la predilección de los públicos. Tal es el caso de los italianos Giovanni Paisiello (1740-1816) y Domenico Cimarosa (1749-1801), de enorme éxito en su tiempo. En Francia ha surgido tras una enconada lucha entre bufonistas y antibufonistas una lírica nacional en la que se destacan Duni, a pesar de su origen italiano, Monsigny y Grétry, después de Lully y Rameau. tenecen, entre muchas otras obras, La flauta mágica, de Mozart; Fidelio, de Beethoven, y Der Freischütz, de Weber. También por aquel entonces se revela una de las más singulares figuras de la lírica mundial: el alemán Christoph Willibald Cluck (1714-1787), quien, partiendo de la base de la creciente decadencia de la ópera italiana, trata de reformar el género. En lo dramático, buscando ahondar los problemas, humanizar las figuras y dando de lado a las intrigas superficiales; en lo musical, infundiendo nuevamente grandiosidad al espectáculo y suprimiendo los adornos y virtuosismos exteriores en que había caído, como consecuencia del divismo de los cantantes. La mayor parte de su obra renovadora la cumplió Cluck en París, donde en tal ocasión se reanudó la antigua lucha, esta vez entre gluckistas y piccinistas, seguidores estos últimos de Nicola Puccini (1728-1800), excelente compositor de la escuela napolitana. Gluck creó algunas obras imperecederas, como Orfeo y Eurídice, Ifigenia en Aulida, Alcestes, Armida e Ifigenia en Táurida. Con estos dramas, de profundo contenido humano, Gluck prosigue la antigua línea de Monteverdi y es al mismo tiempo un claro precursor de Wagner, creador de la llamada obra de arte integral.

ROUSSEL, ALBERT (1869-1937) Compositor francés. Alumno de la Escuela Naval desde 1887, tres años más tarde se embarcó hacia Indochina, región ala que regresó en 1893. Oriente constituyó desde ese momento su más importante fuente de inspiración, como lo prueba su ópera-ballet Padmavati (1923), escrita a raíz de un viaje efectuado a la India. Decidido a consagrarse por entero a la composición, abandonó la Marina para perfeccionar su técnica con Vincent D’Indy en París. Su estilo derivó desde la temprana influencia del impresionismo musical hacia una estética más neoclásica, que no excluye el empleo de algunos hallazgos de la vanguardia, como se refleja en el vigoroso sentido rítmico que imprimió a su Sinfonía N.°3(1930). Los ballets El festín de la araña (1913) y Baco y Ariadna (1931) son otras de sus obras destacadas.

RAVEL, MAURICE (1875-1937) Compositor francés. Junto a Debussy, con quien se lo suele relacionar habitual-mente, es el gran representante de la moderna escuela musical francesa. Conocido universalmente por el Bolero, su catálogo, aunque no muy extenso, incluye una serie de obras hasta cierto punto poco conocidas que hablan de un autor complejo, obsesionado por la perfección formal y técnica de su creación. Había he-redado de su padre, ingeniero suizo, su afición por los artilugios mecánicos, y de su madre, de origen vasco, su atracción por España, fuente de inspiración de muchas de sus páginas. Admitido desde muy niño en el Conservatorio de París, recibió las enseñanzas, entre otros, de Gabriel Fauré. Su interés se centró pronto en la composición, campo en el que dio muestras de una gran originalidad desde sus primeros trabajos, como la célebre Pavana para una infanta difunta (1898), si bien en ellos es todavía perceptible la huella de su maestro Fauré y de músicos como Chabrier y Satie. La audición del Preludio a la siesta de un fauno, de Debussy, marcó sus composiciones inmediatamente posteriores, aunque pronto se apartó de influencias ajenas y encontró su propia vía de expresión. Su capacidad para tratar el color instrumental de la orquesta la iba a manifestar en su Rapsodia española (1907), La valse (1919) o su paradigmático Bolero (1928), un auténtico ejercicio de virtuosismo orquestal cuyo interés reside en la forma en que combina los diferentes instrumentos, desde el sutil pianísimo del inicio hasta el fortísimo final. Sus dos Conciertos para piano y orquesta, sombrío el primero en re menor, luminoso y extrovertido el segundo en el mayor, ejemplifican a la perfección el carácter dual de su personalidad, en la que convivían una marcada tendencia hacia la austeridad y un irrefrenable placer por la brillantez expresiva.

RAMEAU, JEAN-PHILIPPE (1683-1764) Compositor, organista, clavecinista, violinista y teórico francés. De 1722 data la publicación de su Tratado de armonía, ambicioso ensayo que suscitó una viva polémica, pero que contribuyó a cimentar su fama como teórico. La obra lírica de Rameau constituye la mayor parte de su contribución musical y marca el apogeo del clasicismo francés, férreamente opuesto a los cánones de la música italiana que imperaban por entonces. Compuso un total de 31óperas, entre las que se destacan Hipólito y Aricia (1733), Las indias galantes (1735) y Castor y Pollux (1737). Fue precisamente a Lully a quien reemplazó como compositor dominante de la ópera francesa, siendo duramente atacado por aquellos que preferían el viejo estilo.

RFF, CARL (1895-1982) Compositor alemán. Su interés por la música antigua lo llevó a hacer arreglos sobre algunas de las obras de Monteverdi, como su Orfeo. Sin embargo, como compositor comenzó a destacarse en 1937, cuando estrenó su cantata Carmina Burana, recreación en clave moderna de unos poemas medievales. Luego, intentó repetir su éxito con páginas como Catulli Carmina, Triunfo de Afrodita, La luna, La mujer astuta y Antígona. En sus creaciones dramáticas, Off no solo se apoyó sobre la música, sino que aunó elementos textuales y escénicos 

PACHELBEL, JOMANN (1653-1706) Organista y compositor alemán. Su música, de estilo barroco, incluye piezas religiosas, de cámara y sobre todo para teclado, que tuvieron gran influencia en Bach. Aunque compuso numerosas obras, de la que se destacan en especial sus variaciones de coral para órgano, hoy se lo conoce principalmente por una sola pieza, el muy popular Canon en re mayor.

OFFENBACH, JACQUES (1819-1880) Compositor alemán nacionalizado francés. Fue uno de los más aplaudidos y prolíficos autores de operetas del siglo XIX. En 1855 abrió en París un teatro propio, Des Bouffes Parisiens, en el que presentó Los dos ciegos y Una noche blanca, las primeras de sus 87 operetas, la mayor parte de las cuales se estrenaron en esa sala. En 1858 los parisienses presenciaron con entusiasmo el estreno de Orfeo en los infiernos; irónico y audaz, Offenbach dibuja en esta opereta un retrato despreocupado y realista de la sociedad del Segundo Imperio, sazonado con una música pegadiza y de ritmo tan vivaz que le brinda una rápida consagración. Siguieron, entre otras, Genoveva de Brabante (1859), Canción de Fortunio (1861), Bavard y Bavarde(1862),Lieschen y Fritzchen(1863),hasta que en 1864estrenó la que se considera su obra maestra, La bella Elena. Su última obra fue Los cuentos de Hoffman, estrenada póstumamente en 1881.

JUÁREZ, MANUEL (Manolo) (n.1937) Pianista y compositor argentino. Es uno de los más singulares músicos de la Argentina, capaz de alternar dos aspectos de la creación que históricamente fueron considerados como contrapuestos: el género sinfónico y de cámara y las creaciones populares, tanto las folclóricas como las de jazz. Fue director del Fondo Nacional de las Artes, director fundador de la Escuela de Música Popular de Avellaneda y jefe de cátedra de Composición de Música Clásica en la Universidad Nacional de La Plata. 

KAGEL, MAURICIO (1931-2008) Compositor y director de orquesta argentino. Considerado uno de los más innovadores autores de música electrónica de finales del siglo XX, se formó en los principios dodecafónicos y seriales de Arnold Schönberg y Anton Webern. En 1955 fue nombrado director de la Ópera de Cámara del Teatro Colón.Dos años después emigró a Alemania, estableciéndose en Colonia, donde dirigió la Orquesta de Cámara del Rhin (1957-1961) y fue director del Instituto de Nueva Música de la Escuela Musical del Rhin (1967). Sus composiciones, con fuerte contenido teatral, nacen del expresionismo, el surrealismo y el dadaísmo, integrando de forma experimental elementos escénicos y visuales. Realizó incluso versiones cinematográficas de algunas obras. Entre sus piezas de cámara se encuentran Sexteto de cuerda (1957), Heterophonie (1961) y Exótica (1972). Su experimentación en la música vocal está representada en Hallelujah (1968). En Stadtstheater (1970) utilizó de forma no convencional todos los elementos de la ópera que en su álbum Freak Out lo emlcó para añadir comicidad al tema Hungry Freaks, Daddy. También fue usado por Jimi Hendrix en su álbum Electric Ladyland, por Los Beatles en el álbum Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band y por Pink Floyd para parodiar el sonido de una banda de música militar en el tema Corporal Clegg.

FILIBERTO, JUAN DE DIOS (1885-1964) Compositor y director de orquesta de tango argentino. En 1932 organizó su propia orquesta, la Orquesta Porteña, a la que le agregó instrumentos no usuales en el tango, como el clarinete, la flauta y el armonio. En 1933 apareció en la película/Tangol, la primera del cine sonoro argentino. En 1938 fue designado director de la recién creada Orquesta Popular Municipal de Arte Folklórico, manteniéndose al frente de la misma hasta su muerte. Una calle del barrio de la Boca, en Buenos Aires, lleva su nombre en su homenaje. Entre sus numerosas composiciones figuran Quejas de bandoneón (1918), Yo te bendigo (1925), Caminito (1926), Cuando llora la milonga (1927), Malevaje (1928) y Clavel del aire (1930).

FIORENTINO, FRANCISCO (1905-1955) Cantante de tango argentino. Actuó en grandes orquestas, como las de Francisco Canaro y Juan D’Arienzo, pero su consagración la obtuvo junto a Aníbal Troilo, con quien permaneció durante seis años (1937-1944), dejando en el disco versiones de tangos consideradas antológicas como Malena, Los mareados, El bulín de la calle Ayacucho, Gricel, Tinta roja y Barrio de tango, entre otras. Más tarde formó su propia orquesta, que fue dirigida y arreglada por Astor Piazzolla.

FIRPO, ROBERTO (1884-1969) Pianista, compositor y director de orquesta de tango argentino. Introdujo definitivamente el piano en la orquesta de tango, y como compositor le dio un tinte romántico a un género que en sus principios estaba destinado sólo a ser bailado. Formó su primera orquesta en 1913. Tres años más tarde tuvo el honor de estrenar, en Montevideo, un tango emblemático: La comparsita, que acababa de escribir el uruguayo Gerardo Hernán Matos Rodríguez. Compartió escenario con el dúo Gardel-Razzano, tuvo famosos cuartetos, compuso bandas sonoras de varias películas y dejó escritos algunos tangos que serían célebres, como Alma de bohemio, Sentimiento criollo, Fuegos artificiales (con Eduardo Arolas), El amanecer y El galito, entre otros.

FLEURY, ABEL (1903-1958) Guitarrista y pedagogo argentino. Ha sido considerado como el forjador de la identidad guitarrística argentina. Creó un lenguaje en el que conviven los elementos de la técnica clásica con la música folclórica de la Argentina, principalmente los pertenecientes a la provincia de Buenos Aires y su área de influencia. Su estética nacionalista tuvo continuidad en artistas reconocidos como Eduardo Falú y Héctor Ayala. Estilo pampeano y Milongueo del ayer son quizás sus temas más conocidos. Todas sus composiciones integran los programas de estudio de la mayoría de los conservatorios musicales argentinos y de otros países.

FLORES, CELEDONIO ESTEBAN (1896-1947) Poeta y letrista de tango argentino. Sus letras, a veces sentenciosas y moralizadoras, apelaban con frecuencia al lunfardo. Su mayor etapa creativa se extendió hasta principios de la década de 1930. Carlos Gardel grabó numerosos tangos suyos, entre ellos, uno de los mayores éxitos de su carrera Mano a mano. Fue autor además de otros tangos famosos como Mala entraña, El bulín de la calle Ayacucho, Viejo smoking y Corrientes y Esmeralda.

GIANNEO, LUIS (1897-1868) Compositor argentino. Formó parte del Grupo Renovación y desarrolló una múltiple tarea como docente, director de orquesta y pianista en su Tucumán natal. Como compositor evolucionó desde el nacionalismo folclórico de sus primeras obras (poemas sinfónicos Turay-Turay, 1927 o El tarco en flor,1930), pasando por el neoclasicismo (ballet Blancanieves, 1939, y Sinfonía de las Américas, 1945), hasta la incursión en fórmulas dodecafónicas (Angor Dei,1962; Piezas para violín y la Sinfonía Antífona,1963).

GUASTAVINO, CARLOS (1912-2000) Compositor argentino. Considerado el mayor exponente del nacionalismo romántico de la Argentina, mostró una clara afinidad con las ideas de compositores del siglo XIX como Alberto Williams y Julián Aguirre. Compuso una gran cantidad de obras para voz y piano, más de 150 canciones, así como numerosas piezas para piano solo, partituras corales, y música de cámara. Fue un modelo para la generación de autores de música popular y folclórica argentina de la década de 1960, quienes aplicaron muchas de sus innovaciones en su propia obra.

BERUTTI, ARTURO (1862-1938) Compositor argentino, que cursó estudios musicales en Europa. Compuso nueve óperas con espíritu latinoamericano, pero en el estilo lírico italiano. Entre ellas: Pampa (1897), Yupanki (1899) y Horrida Nox (1904). Se lo considera como el fundador del teatro musical argentino.

BIAGI, RODOLFO (1906-1969) Director, compositor y pianista argentino de tango. Integró la orquesta de José Pacho Maglio en el café El Nacional y acompañó a Carlos Gardel en el bar Domínguez. En 1935 se incorporó a la orquesta de Juan D’ Arienzo, llamado “el rey del compás”, de cuyo estilo fue principal responsable. En 1938 formó su propio conjunto orquestal, con el que grabó éxitos como los tangos: Ahora no me conoces, Humillación, Misa de once y el vals Lágrimas y sonrisas.

BASSO, JOSÉ HIPÓLITO (Pepe) (1919-1993) Pianista, compositor y director de orquesta de tango argentino. Integrante de la orquesta de Anibal Troilo entre 1943 y 1947, formó luego su propio grupo con músicos como el violinista Hugo Baralis y los bandoneones de Eduardo Rovira y Julio Ahumada, entre otros.

BERLINGIERL, OSVALDO (n. 1928) Pianista argentino de tango. Actuó en las orquestas de Miguel Calo y Anibal Troilo. En 1g6s integro el popular trio con Ernesto Baffa y Fernando Cabarcos. Fue director orquestal del musical Tango Argentino.

BARDI, AGUSTÍN (1884-1941) Pianista, violinista y compositor argentino de tangos. Entre sus composiciones figuran: Gallo ciego, IQué nochel, La última cita, Nunca tuvo novio y El cuatrero.

BARENBOIM, DANIEL (n.1942) Estudió desde su infancia en Salzburgo, Roma y París. Como concertista de piano se ha des-tacado por sus interpretaciones de Mozarty Beethoven, en tanto que como director de orquesta se desempeñó al frente de las más importantes del mundo, como la Sinfónica de Chicago y la Filarmónica de Berlín, en las que se destacó por sus versiones de las sinfonías de Bruckner y Elgar. También es reconocido por su dedicación al repertorio lírico wagneriano, con sus frecuentes participaciones como director de orquesta en los festivales de Bayreuth.

BAFFA, ERNESTO GUILLERMO (n.1932) Bandoneonista, director de orquesta y compositor de tangos argentino. Integró luego las orquestas de Aníbal Troilo, Alfredo Gobbi y Pedro Láurenz, entre otras, y en 1965 formó un trío con el pianista Osvaldo Berlingieri y el contrabajista Fernando Cabarcos, germen de la famosa orquesta Baffa Berlingieri que iba a contar como cantante a Roberto Polaco Goyeneche. Entre sus composiciones se destacan Calavereando, Con punto y coma y Pa’la guardia.

BARALIS, VÍCTOR HUGO (1914-2002) Violinista, director y arreglador de tango argentino. Hijo de un pionero del tango el contrabajista Hugo Ricardo Baralis, que tocó con Eduardo Arolas-, fue un violinista enraizado en la escuela de Elvino Vardaro. Fue Vardaro, precisamente, quien en 1933 lo convocó a tocar en su sexteto. En su extensa carrera pasó por las orquestas de Angel D’ Agostino, Juan Carlos Cobián y Julio De Caro, entre otras. En 1955 fue cofundador del histórico Octeto Buenos Aires, junto a Astor Piazzolla, Enrique Mario Francini, Atilio Stampone, Leopoldo Federico, Horacio Malvicino, José Bragatto y Juan Vasallo. Formó parte también del Sexteto Mayor y de la Orquesta de Tango de Buenos Aires.

BARBIERI, LEANDRO (Gato) (n. 1934) Saxofonista de jazz argentino. Muy influenciado por Charlie Parker y John Coltrane, tocó a mediados de la década de 1950 en la orquesta de Lalo Schiffrin y luego vivió y trabajó en Brasil, Italia y Estados Unidos. Alcanzó celebridad por la música que compuso e interpretó para la película Último tango en París, de Bernardo Bertolucci (1972), con la que ganó un premio Grammy. Dueño de una sonoridad agresiva, de vibrato sostenido, ha incursionado con su saxo tenor en el free jazz, el pop y también en ritmos caribeños y sudamericanos.

 Aunque heredera de la escuela musical checa representada por Smetana y Dvorak, su música es difícil de clasificar. Pese a que abrevó tanto en el Romanticismo como en el nacionalismo del siglo XIX, asumió ambas tradiciones con absoluta independencia y originalidad. 

Al propio tiempo, sus últimas composiciones, por lo novedoso de su lenguaje armónico y tímbrico, se inscriben en las tendencias renovadoras de las primeras décadas del siglo XX. 

Con su ópera Jenufa, estrenada en Brno en 1904, quiso expresar la relación existente entre melodía y lenguaje hablado, creando una música que reprodujera las inflexiones propias de la lengua checa. 

En sus posteriores trabajos para la escena, profundizó sus investigaciones en esta dirección, escribiendo una serie de obras que desafiaban todas las convenciones del género operístico y que se caracterizaban por la búsqueda de una expresividad naturalista, sin adornos superfluos. 

Ejemplos: Káta Kabanová (1921), La zorrita astuta (1924), El caso Makropoulos (1926) y La casa de los muertos (1930).