Aunque todos los pueblos europeos, desde sus orígenes, han tenido manifestaciones musicales, la fuerte presión de la Iglesia y los pocos conocimientos que se poseen de la vida popular europea, hacen que de los diez primeros siglos cristianos sólo se conozca el arte religioso. Tuvo que producirse una profunda modificación social para que saliesen a luz el canto y el baile populares, estilizados al comienzo a fin de adecuarlos al gusto de los primeros señores feudales. Músicos, cantantes con diversos nombres minstrels, trovadores, minnesinger, juglares, etc., peregrinaron de castillo en castillo, donde amenizaron con poesías y canciones las fiestas y los torneos. Al comienzo, sus temas guardaron aún relación con la Iglesia, pero poco a poco cambiaron, para cantar las hazañas caballerescas y el amor corte sano. Las Cruzadas dieron fuerte impulso a este movimiento musical y poético, que puede resumirse con el nombre de trovadoresco y que significa la primera eclosión del arte popular, aunque estilizado por los artistas en suelo europeo. Las melodías, muchas de las cuales se han conservado, demuestran ya cierta simetría, fundamentos tonales y cadencias que no provienen del canto gregoriano y que pueden ser tomados como auténticamente europeos. Los trovadores acompañaron sus cantos con pequeñas arpas de mano, laúdes e incluso instrumentos de arco precursores de las violas.

Entre los trovadores, hubo no pocos representantes de las más altas capas sociales: reyes, príncipes y otros nobles.

En las ciudades alemanas, el movimiento de los minnesinger (lo que textualmente significa cantores del amor) desemboca hacia el siglo XIV en la primera manifestación musical de la burguesía naciente; se forman asociaciones llamadas escuelas, que establecen reglas muy rígidas tanto para la poesía como para la música, en contraste con la libertad de los trovadores, quienes crearon casi por pura inspiración. A medida que entraron siglos más tarde, será un sistema vertical: se consideran las combinaciones de sonidos simultáneos). El poeta y músico francés Philippe de Vitry (1291-1361) dio al movimiento musical de su tiempo el nombre de ars nova. También el teórico del siglo XIV Johannes de Muris, empleó el en decadencia los últimos trovadores y minnesinger, sus sucesores burgueses, los meistersinger o maestros cantores, tomaron las riendas del arte. No fueron músicos profesionales, sino gente de los más variados oficios en las nuevas ciudades. Su entusiasmo por el arte es sumamente meritorio, incluso en ciertos excesos de severidad con que observaron e hicieron observar sus reglas.

El Ars Nova (Siglos XIV y XV)

La polifonía había hecho tantos progresos hacia el siglo xiv, que puede considerarse como única expresión musical de la época. Las líneas melódicas que se combinan y siguen paralelamente sus cursos, han formado un sistema que se rige por las reglas del contrapunto. Es un sistema horizontal que contempla la evolución melódica de diversas voces simultáneas. (La armonía, tres términos. Se trata de un movimiento revolucionario contra el ars antigua y sus organum y conductus, que fueron reemplazados por nuevas formas, como el motete, el madrigal y varios tipos de lied o canción. Muy importante en este estilo es el canon y varias formas similares (como la caccia), todas ellas precursoras de la fuga. En el canon, todas las voces cantan lo mismo, pero entrando en forma escalonada; el estilo, por esto, lleva también el nombre de imitatorio, ya que una voz imita a la otra, anterior. No es necesario que todas las voces tengan exactamente igual tema; muchas veces sólo la cabeza del tema es la misma, prosiguiendo luego cada una de distinta manera.

Entre los muchos compositores de la ars noca se distingue el francés Guillaume de Machaut o Machault (1300? 1377), quien dejó motetes, misas y bellas baladas.

EL RENACIMIENTO MUSICAL Y EL APOGEO DE LA POLIFONIA

La Escuela Flamenca

El siglo xv marca una verdadera eclosión en materia musical. Su primer centro fue Flandes donde a la sazón también actuaron los más insignes pintores de la época; luego extendiese el movimiento hacia los Países Bajos e Inglaterra y finalmente hacia el Sur. Fue en Italia donde estos grandes músicos acabaron por tener sus más ilustres sucesores.

Las escuelas flamencas, neerlandesa y franco belga, como también la inglesa y por último la italiana, son de neto corte polifónico. La evolución del contrapunto permite combinar cada vez más voces (que lo mismo pueden ser humanas que instrumentos), y las obras adquieren así creciente grandiosidad. Misas de 24 y también de 30 y 36 voces ya no son excepciones. Los maestros dominan el oficio del compositor a tal punto que, a menudo, surgen obras creadas por el puro placer de ostentar tanta maestría y perfección. Entre los compositores de los siglos XV y XVI abundan las figuras de primera magnitud. Recuérdese tan sólo a Guillaume Dufay, Gilles o Egidio Binchois, John Dunstable o Dunstaple;a Heinrich Isaak (1440?-1517),autor de una melodía cantada hasta el día de hoy (Innsbruck,debo dejarte); al gran Josse o Josquin Des Pres o Després (1450?-1521) y a Adriaen Willaert (1480-1562),quien trasladó a Italia la técnica flamenca. No hay que olvidar a Johannes Ockeghem (1430? -1495?), y al importante Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621). Lamentablemente, sólo se ha conservado una mínima parte de las obras debidas a los maestros nombrados; quien las oye no es fácil ejecutarlas en su forma original experimenta la grandiosa impresión de hallarse ante una manifestación de auténtico misticismo.

El Romanticismo irrumpe en la vida y las artes de todos los países. Los poetas forman la van-guardia, a la que siguen bien pronto los músicos y los pintores. Entre los compositores se destaca como primera generación romántica la que nace entre 1797 y 1813. Sus figuras cumbres son: Schubert, Berlioz, Mendelssohn Bartholdy, Schumann, Chopin, Liszt y, en el terreno de la música dramática, Wagner y Verdi. 

Franz Peter Schubert (1797-1828), de vida breve, humilde, pero de suma inspiración, creó más de seiscientos lieder, verdaderos modelos del género, y por primera vez en la historia supo combinar de manera completa la voz humana con el acompañamiento pianístico, que cumple la importante función de pintura de ambiente y de expresión psicológica. Apenas menos significativas son sus nueve sinfonías, su música de cámara e instrumental, su hermosa música religiosa. Sólo en el campo de la ópera sus creaciones carecieron de la fuerza necesaria para imponerse.

Louis Hector Berlioz (1803-1869), temperamento exaltado, apasionado, en eterno choque con la realidad y la parte material de la vida, llegó a triunfar en varios países, pero nunca en Francia, su patria. Su obra fundamental, la Sinfonía fantástica, documento típicamente romántico, data de 1830. Escribió óperas (Los troyanos, Benvenuto Cellini, Béatrice et Bénédict), la importante leyenda dramática La condenación de Fausto, un grandioso Réquiem y mucha música sinfónica (Harold en Italia, Romeo y Julieta, Carnaval romano, etcétera).

Felix Jakob Ludwig Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) tuvo una vida breve pero llena de triunfos y satisfacciones. Lo más hondo de su inspiración está en los oratorios Elías y San Pablo; sus sinfonías son cinco, y su Concierto de violín es uno de los más brillantes del género. Famosa es su música para Sueño de una noche de verano, de Shakespeare, cuya obertura compuso a los 17años. Se destacan, además, obras orquestales (La gruta de Fingal, Mar calmo y viaje feliz, Ruy Blas, etc.), Canciones sin palabras (para piano), numerosos bellos lieder y coros, etcétera.

Robert Alexander Schumann (1810-1856) pue-de ser considerado, junto con Mendelssohn, figura central del Romanticismo. Fue profesor del Conservatorio de Leipzig, fundado por Mendelssohn, y director de una importante revista musical. La tragedia de su vida consistió en la enfermedad mental que le acechó durante un tiempo, haciendo crisis finalmente en 1854; Schumann se precipita al Rin, pero es salvado y muere dos años después en un manicomio. Durante sus años creadores compuso más de doscientos cincuenta lieder de suprema belleza, entre los que, situados en diversos ciclos, resaltan Amor de poeta y Amor y vida de mujer. Creó un nuevo estilo pianístico (Carnaval, Mariposas, Los cofrades de Da-vid, Piezas fantásticas, Escenas infantiles, etc.); escribió cuatro sinfonías, un hermoso concierto de piano, otro de violín, una ópera y oratorios.

Frederick François Chopin (1810-1849) fue no sólo uno de los más grandes compositores de piano, sino también una de aquellas figuras románticas por cuya obra los pueblos nuevos entraron en la historia de la música, ya que tomó por base de su composición los ritmos y las melodías de Polonia. Sus sentimientos patrióticos se vieron avivados a causa del exilio, que sufrió desde muy joven. La mayor parte de su vida transcurrió en Francia, y murió en París a los 39años, a consecuencia de una tuberculosis. Entre sus composiciones esencialmente pianísticas figuran dos conciertos para piano y orquesta, cuatro sonatas, cincuenta y seis mazurcas, veintisiete estudios, veinticinco preludios, quince valses, diecinueve nocturnos y numerosas polonesas, baladas, etc.

Franz Liszt (1811-1886) se consagró como una de las más brillantes figuras de la música. Fue notable pianista y su magnanimidad le hizo erigirse en consejero y amigo de casi todos los compositores románticos. Su vida, muy activa, se vio colmada de triunfos. Compuso varias obras religiosas, dos conciertos de piano, las célebres Rapsodias húngaras, gran cantidad de poemas sinfónicos (Los preludios, Tasso, Lo que se oye en la montaña, Prometeo, Hamlet, La batalla de los hunos, etc.), mucha música pianística y varios lieder. Merece especial mención, entre los grandes virtuosos instrumentales como Chopin y Liszt, la figura extraordinaria de Niccolò Paganini (1782-1840), violinista fascinante y compositor de interesantes obras para violín.

La Ópera Romántica

Es lógico que un movimiento tan universal como el Romanticismo abarcase también, y muy especialmente, a la ópera. Dan lustre a esta forma musical, a fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, numerosas figuras importantes, entre otras Luigi Cherubini (1760-1842) y Gasparo Spontini (1774-1851), hoy algo olvidados, a los que siguió la fecunda generación de Rossini, Donizetti, y Bellini, grandes maestros de la melodía y del bel canto italianos.

Gioacchino Antonio Rossini (1792-1868), figura singular que abandonó la carrera en el punto culminante a los 37 años y siendo sin duda el músico más famoso de su tiempo, dejó cerca de cuarenta óperas, entre las cuales se destacan El barbero de Sevilla, La italiana en Argel, La Cenicienta, La urraca ladrona, Otelo y Guillermo Tell. De Gaetano Donizetti (1797-1848) perduran, ante todo, Lucía de Lammermoor, El elixir de amor, La hija del regimiento, La favorita y Don Pascual. Al poderoso talento de Vincenzo Bellini (1801-1835), cuya vida se apagó tempranamente, se deben Norma, Los puritanos y La sorámbula, entre otras muchas obras.

Al mismo tiempo se distinguen en París, que se convierte alrededor de 1820 en un centro importantísimo del arte lírico, Auber, Méhul y ante todo Giacomo Meyerbeer (1791-1864), cuyas óperas Dinorah, Los hugonotes, La africana, El profeta, etc., se aplaudieron durante décadas en todos los teatros del mundo. Fruto del Romanticismo alemán, el talentoso compositor KKarl Maria von Weber (1786-1826) causó sensación con Der Freischitz, cuyo éxito subrayó después con Euryanthe y Oberón. A su lado son dignos de mención Heinrich August Marschner, Louis Spohr y Ernst Theodor Ama-deus Hoffmann (1776-1822), poeta, escritor y músico alemán, notable precursor del Romanticismo.

Ludwig van Beethoven

El subjetivismo, que durante el período clásico tuvo que subordinarse a las formas y normas de un estilo rococó, fue liberado gracias a la Revolución francesa. La clase nacida de tal conmoción, la burguesía, busca en las artes nuevas expresiones, nuevos ideales. El músico que más fielmente interpreta el gran cambio es Beethoven (1770-1827), en cuya vida puede seguirse claramente esta evolución. Se inicia en el estilo clásico; su decisivo encuentro con Haydn, en Bonn, y la honda admiración por las obras de Mozart fallecido poco antes de la llegada de Beethoven a Viena, su segunda patria no hace más que confirmarlo. Pero a medida que avanzan los años y con los años las ideas de la Revolución, Beethoven rompe con las normas existentes y busca la adecuada expresión musical de aquellas ideas. Se convierte, pues, en el puente entre el clasicismo y el Romanticismo, estilo este último que abarcará la casi totalidad del siglo XIX. La obra de Beethoven no es de las más amplias numéricamente; pero cada una de sus composiciones lleva un rasgo muy personal, una expresión subjetiva y de nobles sentimientos.

Integran su acervo la única ópera Fidelio (que tuvo que ser reformada varias veces y para la cu1al compuso nada menos que cuatro oberturas llamadas Leonora y Fidelio), dos misas (una titulada Misa solemne), las celebérrimas nueve sinfonías (de las cuales llevan subtítulos la tercera, Heroica; la sexta, Pastoral, y la novena, Coral, por incluir voces de solistas y coros en su glorioso final sobre letra de Schiller),cinco apenas menos famosos conciertos de piano, un concierto para violín, treinta y dos sonatas para piano (que abren perspectivas totalmente nuevas al género), cuartetos de cuerda (los últimos muestran un Beethoven ya casi incomprensible y más allá de las posibilidades técnicas y musicales de su siglo), oberturas, música de es-cena (entre producciones del género, la del drama Egmont, de Goethe), música de cámara e instrumental y lieder. La vida de Beethoven, sumamente conocida, fue de supremo sufrimiento y dramáticas alter-nativas. Después de una niñez y juventud sombrías en Bonn, sigue, a partir de 1792, una época brillantísima en medio de la calurosa acogida que le dispensó la mejor sociedad vienesa. Pero a comienzos del nuevo siglo se acentúa la cruel enfermedad del oído, que pronto ha de dejar sordo al maestro, lo que motiva su paulatino retiro a una total soledad. juntos musicales, le exigía vestir de librea, al igual que los otros integrantes del palacio. Artista libre: libre para componer lo que su inspiración le dicta; libre para aceptar los compromisos de actuar en público que le parecen convenientes; libre para emprender viajes artísticos sin permiso de nadie. Un panorama nuevo y embriagador ensancha el pecho de los músicos: ser artista y nada más.

Es bien conocida su manera lenta de componer, de retocar cien y mil veces y entre grandes dudas y autocríticas cada una de sus obras, hasta conseguir la ansiada identificación con su ideal. Con Beethoven da comienzo una nueva época, en la que muchos problemas psicológicos intervienen en la marcha de la historia musical. A partir del gran sordo de Viena, el compositor comienza a expresar sus estados de angustia, sus sueños terroríficos; se libera de celos como diría el psicoanalista a través de su obra. Beethoven estampó sobre su Sexta sinfonía (la Pastoral). En los esbozos de la obra de Beethoven puede apreciarse la ardua lucha consigo mismo, su inmenso deseo de perfección y su firme inconformismo, A veces, desde la primera anotación hasta la terminación de la obra no quedó en pie una sola nota. Y todo el intenso nerviosismo del maestro se refleja claramente en la grafía de sus manuscritos, como en esta página aquí reproducida.

Ninguna vida de artista ni siquiera las muy dramáticas de Chopin, de Gauguin o de Van Gogh ha encendido hasta tal punto la fantasía de la posteridad como la del “genio de Bonn”(al cual, con casi mayor justicia, habría que denominar “el gran sordo de Viena”). Son muchos los factores que coinciden para hacer de Beethoven un caso tanto de honda admiración como de detallado estudio. Ha sido el primer músico deliberadamente libre; ya no el empleado de una corte principesca y feudal que, a pesar de la alta estima en que tuviera a un compositor o director de la compresión de sentimientos que una descripción pictórica. La música deja de ser objetiva y se convierte, pues, en “expresión de sentimientos” y pronto en descripción, cada vez más detallista, de un sinnúmero de cosas extra musicales. Es importante comprender esto, no sólo por el siglo XIX, sino también por el nuestro, cuya lucha es precisamente la reacción contra tales “desvíos” (como los denominaban muchos teóricos y artistas contemporáneos) y el deseo de retrotraer la música a no ser más que, pura y simplemente, esto: música.

CLEMENTE, Joaquín

Músico. Nacido en Aldea Grande (Lisboa), el 22 de octubre de 1901. Inició sus estudios musicales con su padre, director de la banda de música de su pueblo natal, que completó luego con Joaquín P. López y Laurentino Serra e Moura, y finalmente en el Conservatorio Nacional de Música de Lisboa, donde recibió lecciones de composición del maestro Rocha Pires. Muy pronto reveló sus aptitudes para la dirección de conjuntos instrumentales: en 1916 actuó accidentalmente al frente de la Sociedad Filarmónica Estorilense, siendo confirmado en el cargo de director hasta 1925; en esa fecha organizó la Gran Banda Sinfónica del Cuerpo de Bomberos Municipales de Lisboa, organismo que alcanzó pronto notable prestigio. Posteriormente se radicó en nuestro país, ocupando por concurso el cargo de director del Conservatorio Municipal y Banda Municipal de la ciudad de San Francisco (Córdoba). En enero de 1932, también por concurso, ganó el puesto de director de la Banda Sinfónica Municipal de Buenos Aires, que abandonó al año siguiente. En esa época la Orquesta Filarmónica de Río de Janeiro le formuló una invitación para dirigir varios conciertos en el Brasil, que realizó con buen éxito. De regreso a Buenos Aires y llevado por su inclinación, fundó dos nuevas orquestas, la Sinfónica Femenina y la Sinfónica de Buenos Aires, aunque también actuó con otros organismos análogos. Finalmente, en 1941 fue designado para ocupar la vacante dejada por el fallecimiento del maestro Alberico Spátola director de la Banda Sinfónica de la Policía, donde desarrolló una larga y meritoria labor, siendo su actuación recibida con elogio por la crítica local. Su estilo de dirección, vehemente y dinámico, prestaba singular realce a sus ejecuciones, que se distinguían también por su ajuste y equilibrio. Compositor distinguido, era autor de algunas celebradas páginas, pertenecientes a diversos géneros y de carácter folklórico y universal. Entre otras, figuraba la marcha y canción oficial de la Policía, de adecuados acentos y hábil instrumentación. Murió en Buenos Aires, el día 2 de setiembre del año 1950.

CUADROS, Hilario

Músico, compositor e intérprete. Nació en Guaymallén (Mendoza), el 23 de noviembre de 1902. Creador del conjunto “Los Trovadores de Cuyo”, difundió desde la Capital de la República el auténtico sabor cuyano de sus canciones. Numerosas composiciones signan la trayectoria de Hilario Cuadros, en especial de cuecas y tonadas. Desde Radio Nacional empezó a grabar discos para el sello Odeón. Sus producciones musicales sobrepasan el centenar. Grabó una infinita cantidad de temas vernáculos, que aún se escuchan, y en su obra puso de manifiesto el ideal tradicionalista que abrigaba su corazón de criollo y mendocino. A modo de reconocimiento Rubén Emilio Segura estampó al pie de una sentida recordación a este maestro del folklore: “Amigo Cuadros, que viva/ jardín florido entre rosas / en tu homenaje te brindo/un cogollo de Mendoza”. Con vocación por el arte popular criollo con su conjunto durante un cuarto de siglo recorrió triunfalmente las provincias argentinas y algunos países limítrofes. Fue un “intérprete fidedigno de lo vernáculo, no desvirtúa la música y los cantores con estilizaciones ni deformaciones extrañas su íntima naturaleza”. Falleció en Buenos Aires, el día 8 de noviembre del año 1956.

CURUBETO GODOY, María Isabel

Música, concertista y compositora. Nació en Rosario (Santa Fe), en 1898. Contaba con seis años cuando comenzó a dar conciertos en Córdoba, Buenos Aires y La Plata. Mereció elogios de Pucccini y de Arturo Beruti, que oyeron sus interpretaciones. Ganó por concurso, a los ocho años una beca para estudiar en el Conservatorio oficial de Milán, con las más altas calificaciones entre 350 aspirantes. Sus padres renunciaron a las becas y la llevaron a Viena, deseosos de que prosiguiera los estudios con el maestro Theodor Letchetizsky, que había dado lecciones a Paderewsky. Luego estudió en Milán y Roma con Giovanni Sgambatti. Fue invitada a dar un concierto en el palacio de la reina Margarita, y también ante el doctor Roque Sáenz Peña, ministro argentino en Italia. La Academia Filarmónica de Roma le concedió el título de socia en la clase pianista, y tenía doce años de edad, al iniciar los estudios de composición. Cuando regresó a la Argentina, vino consagrada como intérprete, siendo designada profesora de piano en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Universidad de La Plata. En 1925 estrenó en el Teatro Colón la música para la tragedia Fedra, de Eurípides, en la versión poética de Leopoldo Longhi, repuesta dos años después en el mismo escenario. Había sido compuesta por encargo de la Universidad de La Plata, cuyo Consejo Superior designó a la artista miembro “honoris causa”. También en el Colón se estrenó en 1946, la ópera Pablo y Virginia inspirada en la novela de Bernardin de Saint Pierre, con libreto realizado por Giussepe Ademi y Renato Simone, cantada en italiano. Curubeto Godoy completó la música de ballet para La venganza de la luna, y compuso asimismo varias piezas para piano, violín, música de cámara y una Oración fúnebre en homenaje a Joaquín V. González. Falleció en Lomas de Zamora, el 23 de agosto de 1959.

CASTRO, José María

Músico, compositor, y director. Nació en Avellaneda (Prov. de Bs. As.), el 15 de diciembre de 1892. En Buenos Aires recibió enseñanza de violoncello por José García Jacot en el Instituto Musical de Santa Cecilia y por Humberto Ferrari. Efectuó los de armonía con Constantino Gaito y de composición con Eduardo Fornarini. Se orientó hacia el violoncello, instrumento del que llegó a ser cultor destacado como recitalista. En 1913 y 1914, formó parte de la orquesta del Teatro Colón. Como intérprete integró con León Fontava, Juan José Castro, Aníbal Canut y Constantino Gaito la Sociedad Argentina de Música de Cámara, En 1916 y 1917 figuró en el trío y cuarteto de la Asociación Wagneriana de Buenos Aires. En 1922 participó en calidad de violoncello solista en la Orquesta Filarmónica de la Asociación del Profesorado Orquestal (APO), organismo que protagonizó un bello capítulo del quehacer musical porteño durante la etapa trascendente de Ernest Ansermet. En 1927 constituyó la prestigiosa Sociedad del Cuarteto. Fue fundador de distintos conjuntos de cámara. Alcanzó la cimera en 1930 cuando debutó como director de la Orquesta de Cámara de la APO conduciendo los primeros conciertos sinfónicos que se transmitieron en la radiofonía argentina. Su nombre figura, en 1929, junto a los de Juan José Castro, Jacobo Fisher, Luis Gianeo, Gilardo Gilardi, Juan Carlos Paz, Julio Perceval y Honorio Sicardi, cofundadores del “Grupo Renovación”. Fue profesor en el Instituto Santa Cecilia y en el Conservatorio Municipal. En la Orquesta Filarmónica incluyó estrenos de autores argentinos hasta 1942. Mediante un concurso fue designado en 1937, director de la Banda Sinfónica Municipal de Ciudad de Buenos Aires. Por espacio de 20 años condujo ese complejo organismo artístico escribió Mario García Acevedo desarrollando esa asociación con Pascual Grisolía, otro recordado músico argentino una eficaz labor de acercamiento entre la gran música y un vasto sector de la población que los seguía. A su producción personal pertenecen el Concierto grosso, escrito en 1932 y que él mismo interpretó a frente de la orquesta APO, en el teatro Politeama argentino, el II de junio de 1933.Asimismo, la Obertura para una ópera cómica, de 1934, estrenada en 1936; Geogia, ballet pantomima en tres cuadros sobre un poema de Eduardo Mallea (1937), presentado por primera vez en el Teatro Colón de Buenos Aires, el 2 de junio de 1939. Más tarde dio a conocer Fulurka, ballet en cuatro cuadros sobre argumento de Jorge Objeta en el Teatro Argentino de La Plata, el 27 de octubre de 1951.Otras composiciones suyas son Sonata pura dos violoncellos, escrita y estrenada en 1938, Preludio y tocatu, cuerdas y cuarteto solista de cuerdas (1949), que, con la Orquesta Sinfónica Nacional, hizo escuchar Castro en 1956. Fue autor de otras muchas composiciones de alto vuelo: el Concierto para orquesta; las Tres pastorales, el Tema coral con variaciones que hizo escuchar en el salón de actos de la Facultad de Derecho de Buenos Aires, con la batuta de André Vandernoot al frente de la extinguida Orquesta Sinfónica de Radio Nacional; El Preludio; tema con variaciones y final (1959); estrenada en 1960 , por dichos intérpretes, la Sinfonía de Buenos Aires (1963); Con la patria adentro, sobre poesías de Gustavo García Saravi (1964), etc. Fue miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes desde su fundación (1936) y destinatario de diversas distinciones acordadas por instituciones del país y del extranjero. Este gran maestro de la música falleció en Buenos Aires, el día 2 de agosto del año 1964.

CHERTUDI de NARDI, Susana

Folklórologa, investigadora y profesora. Nació en Buenos Aires, el 3 de noviembre de 1925. Cursó estudios en la Facultad de Filosofía y Letras, donde obtuvo el título de profesora de enseñanza secundaria, normal y especial en letras (1960) y el de licenciada en Ciencias Antropológicas. Becaria del Fondo Nacional de las Artes (1960). Fue profesora de Literatura Argentina en la Universidad del Salvador (1963). Hizo la carrera docente en la Facultad de Filosofía y Letras, fue jefa de Trabajos Prácticos, Profesora adjunta de Folklore y profesora asociada en 1977. Juan Alfonso Carrizo la incluyó como colaboradora del Instituto Nacional de la Tradición (actual Instituto Nacional de Antropología). Fue miembro fundador de la International Society for Folk Narrative Reaseach, y se la eligió vicepresidenta en representación de América del Sur. Además, era miembro de la Societé Internationale d’ Ehnologie, con sede en Chicago. Se desempeñó también como correspondiente en la Argentina del Comité de Folklore del Instituto Panamericano de Geografía e Historia de la OEA. Ha publicado Cuentos folklóricos de la Argentina (1960); Juan Soldao; Cuentos folklóricos de la Argentina, selección, pról. y notas (1962); El cuento folklórico y literario regional (1963), y trabajos de investigación sobre su especialidad; el cuento folklórico argentino. Colaboró con Las especies literarias en prosa, en el libro de José Imbelloni, Folklore Argentino, que mereció el Segundo Premio Nacional de Ciencias (1960-62). Ha colaborado en los Cuadernos del Instituto Nacional de Investigaciones Folklóricas. Falleció en Buenos Aires, el 10 de octubre de 1977.

CASTRO PIÑEIRO, Juan José

Músico. Nació en Santa María de Neda, La Coruña (España), el 26 de noviembre de 1864. Trasladado luego a la Argentina, amplió sus conocimientos, e integró como instrumentista numerosas orquestas, destacándose como un consumado maestro. Adquirió extraordinario éxito en la difícil técnica de la construcción de arcos para instrumentos de cuerda. Estudió con empeño este arte singular y alcanzó la admiración de los más famosos concertistas como Pablo Casals, Fritz Kreisler y Jascha Heifetz, que sentían por él una directa simpatía. En 1894 fue uno de los fundadores de la Sociedad Musical de Mutua Protección (hoy Asociación del Profesorado Orquestal), una de las más antiguas entidades del país, en los órdenes gremial, mutual y artístico. Se le atribuye haber sido violoncelista de las orquestas de los teatros Colón y Ópera. Falleció en Buenos Aires, el 1 de febrero de 1942. Sus hijos Luis Arnaldo, José María, Juan José y Washington, se destacaron en el panorama musical argentino.

COCOMAROLA, Mario del Tránsito

Músico y compositor. Nació en San Cosme (Prov. de Corrientes), el 14 de agosto de 1918. Hijo de inmigrante, desde niño tocaba el acordeón que aprendió de su progenitor. Al fallecer éste, se trasladó a Corrientes con su familia, y a los once años se vio obligado a debutar profesionalmente, integrando diversos conjuntos para sostener a los suyos. Más tarde pasó a Rosario y de allí a Buenos Aires, donde se sumó al grupo de “Los hijos de Corrientes”, comenzando en esa época a alternar el acordeón con el bandoneón. En 1942 formó el “Trío Caconasola”, a pedido del sello Odeón, introduciendo la modalidad del dúo vocalista. Entre sus muchas composiciones se destacan los chamamés instrumentales La espuela, La Colonia, Mi bien amado, Las Palmus, El Kangui, Bañudo Norte, Kilómetro 111, todas conocidas y popularizadas. También el rasguito doble Puente Pezoa, que mereció ser grabada por Frank Sinatra y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia. Falleció en Corrientes, el 19 de setiembre de 1974.En su homenaje el anfiteatro de Corrientes, lleva su nombre. Fue un representante genuino de la música del litoral.

COLOVINI, Ángel

Payador. Oriundo de Rosario (Santa Fe). nació el 9 de julio de 1901.Fueron sus padres don Luis Colovini y doña Hermozina Irusta. Se inició contratado en las famosas comparsas carnavalescas de La Tranquera, Hijos de la Tradición y Huérfanos del Cemento a los quince años. Su primer encuentro lo tuvo con el payador conocido como Víctor Galtieri que pertenecía al conjunto “El Trebolar”. En 1926, se enfrentó con Pedro Medina, y al año siguiente con Juan Pedro López, ambos uruguayos. En Rosario payó con Pedro Garay, mercedino. Durante 1951 asistió en Córdoba a un encuentro payadoresco, en donde obtuvo el tercer lugar, y en la siguiente vuelta al primer puesto. Concurrió juntamente con otros argentinos, entre los que figuraban Carlos Echazarreta y Constantino Arias a la vecina República del Uruguay. Su actuación mereció largas aviaciones. Se cuenta entre los payadores que llegaron con su canto a la radiofonía desde LR2 Radio Argentina, al Luna Park, Círculo Militar y a numerosas instituciones de cultura. Prodigio de memoria, de intuición, de imaginación creadora y de velocidad mental, este tipo de payador mereció uno de los más hermosos libros de Leopoldo Lugones. En esa descripción del maestro cabía la imagen de Colovini. En 1951 ganó el Premio en el Concurso de Payadores de la ciudad de Córdoba. En la televisión fue asesor y actuante en “La Pulpería de Mandinga”, que se mantuvo mucho tiempo en Canal 9, en “Volver a vivir el tango” por Canal 7, y en “Fortín Fiesta” por Canal 13. Con Colovini perdió el folklore nacional una gran figura la ciudad de Rosario y un arquetipo del bien decir. Falleció trágicamente, e1 23 de noviembre de 1976.

CORDOBA, Nabor

Nativista, compositor y docente. Nació en Tucumán, el 10 de marzo de 1911. Cursó sus estudios en el Colegio Nacional, y luego fue profesor de Historia en el mismo establecimiento y en la Escuela Normal. Rector del Colegio Nacional de Aguilares, dirigió la Escuela y Liceo Vocacional Sarmiento, de la Universidad Nacional de Tucumán. Fue importante su labor como nativista, y en este campo, su aporte como autor de piezas folklóricas es abundante. Su obra registra títulos como La añera, zamba que se convirtió en un “clásico” del folklore norteño; Mi Tucumán, Arbol solo, Zumba del arenal, Penando andoy, El despresiao, Solita como la luna, Llorando. La mal hoja y muchas otras. En otro nivel, y en colaboración con su hijo Nabor elaboró5 un Poema Sinfónico sobre la leyenda del “tapao”, y la Primera Fantasía Argentina para Orquesta Sinfónica. Falleció en Córdoba, el 15 de mayo de 1973.

CORRETJER, Leopoldo

Músico, compositor y director de coros y orquesta. Nació en Barcelona, en 1862. Estudió con notas sobresalientes en el Real Conservatorio Isabel II de su ciudad natal. A los 18 años debutó como director de orquesta en el Teatro Principal con la ópera “Lucrecia Borgia”. Llegó a Buenos Aires en 1887, y por su conocimiento del manejo de grandes masas corales, ganó por oposición el puesto de profesor de música de la escuela Sarmiento. Fue designado inspector de música del Consejo Nacional de Educación. Compuso cantos para coros escolares que tuvieron amplia difusión, entre otros, El saludo a la bandera, Himno a Rivadavia, El Gaucho, El Ombú, etc. muchos de ellos inspirados en los aires tradicionales argentinos. El 25 de mayo de 1910, dirigió un coro de treinta mil voces en la plaza del Congreso que entonó la canción nacional. El maestro Corretjer compuso música para el género chico nacional y canciones populares. Su primer tango fue El afilador, le siguieron Mi negra y Apuntúpa otro lado, sin letra dedicado “a la oficialidad del cuerpo de granaderos a Caballo. Falleció en Buenos Aires, en 1941.

Compositor, y director de orquesta. Nació en Avellaneda (Prov. de Bs. As.), el 7 de marzo de 1895

Era hijo de Juan José Castro y Luisa Podestá. En su adolescencia fue alumno en Buenos Aires de Manuel Posadas, en violín, de Constantino Gaito y Eduardo Fornarini, que lo preparó en armonía, contrapunto y composición. En 1916 ganó el “Gran Premio Europa” otorgado por el gobierno argentino. Partió con destino a París en 1920 a perfeccionarse por sus propios medios, ya que la beca obtenida no pudo concretarse. Durante cinco años estudió con Vincent D’Indy, en la Schola Cantorum, y con el pianista Edonard Risler. En 1921 actuó con éste último con gran éxito y al año siguiente estrenó en París su Sonata para violín y piano. En 1924 realizó una gira de conciertos por España con el violinista Manuel Quiroga. Con su poema sinfónico En el jardín de los muertos, premiado por el jurado presidido por Ernest Ansermet, se estrenó en los conciertos de la Asociación del Profesorado Orquestal (A.P.O.), bajo la dirección de Ernesto Drangosch. En 1925 regresó a Buenos Aires donde fundó la Sociedad del Cuarteto y actuó en ella como primer violín. La A.P.O. premió su poema sinfónico A mi Madre, que Ansermet estrenó ese mismo año, dirigido por Gregorio Fitelberg en el teatro Colón. La Municipalidad de Buenos Aires, galardonó su poema sinfónico “La Chellah” en 1927. Debutó como director en 1928, al frente de la Orquesta de Cámara Renacimiento. Al año siguiente se lo invitó a dirigir en el Teatro Colón de Buenos Aires el estreno de la versión escénica de El amor brujo de Manuel de Falla, oportunidad en la que inició así una larga y fecunda vinculación con las actividades musicales de esa sala, en ella, llegó a dirigir más de un centenar de conciertos, espectáculos líricos (los estrenos argentinos de L’heure espagnole de Ravel y El retablo de Muese Pedro, de Falla, así como el estreno mundial de Atlántida de este último) y espectáculos coreográficos (estrenos de los ballets Chout de Prokofieff, Le sacre du printemps de Stravinsky y muchos otros). 

Allí también hizo conocer gran parte de su producción escénica y sinfónica. En 1931 inició su carrera internacional; la Sociedad Internacional de Música Contemporánea estrenó en Londres su Ansermet había dado a conocer en los conciertos de la APO Yicación de Haydn En 1939 compartió con Falla la realiza española, oportunidad en la que el compositor andaluz hizo su primera presentación en América. Arturo Toscanini to invitó en 1941 a dirigir tres programas en el ciclo de la NBC de partir de entonces inició una serie de giras por A New York. el continente americano, Washington, México, Perú, Chile y Uruguay, que alternó con actuaciones al frente de las principales orquestas argentinas. En 1947 fue designado director estable de la Orquesta Filarmónica de La Habana (Cuba), como sucesor de Erich Kleiber y a propuesta suya; en esa ocasión dirigió 22 conciertos en dos temporadas consecutivas. Pasó luego a desempeñarse con igual cargo en el SODRE de Montevideo (1949-51) y en la Victorian Symphony Orchestra de Melbourne, Australia (1952-53). En 1950debutó en Europa como director al frente de la Orquesta de la Radio de Belgrado (Yugoslavia). Posteriormente actuó en Italia (Academia de Santa Cecilia y orquesta de la RAI de Roma), Londres (BBC), Suiza (Orchestre de la Suisse Romande ySinfónica de la Radio Zurich), París, (Radiodiffusion Francaise y Concerts Pasdeloup), Barcelona (Orquesta Municipal), Oslo y Helsinki. Director estable de la Orquesta Sinfónica Nacional Argentina (1956-60) completó su carrera de intérprete en los Festivales de Los Ángeles de California (USA)y Puerto Rico. 

En su vasto repertorio sinfónico demostró siempre una sensible inclinación por la música de su época: 400 de las 600 obras que llegó a dirigir, pertenecen al siglo XX. Entre los compositores más frecuentados figuran en su mayoría los de la Escuela de París (Debussy, Ravel, Stravinsky, Falla, Honegger); también y en forma muy especial Bela Bartok y Paul Hindemith. En los últimos años de su carrera como director se abocó a la difusión de obras de la Escuela de Viena encabezada por Arnold Schoenberg. Como compositor obtuvo diversas distinciones nacionales y extranjeras; en 1952 logró el primer premio internacional “Verdi” con su ópera Proserpina y el extranjero (con libreto de Omar del Carlo), otorgado por un jurado del que formaron parte Igor Stavinsky, Arthur Honegger, Guido Cantelli, Victor De Sabata y Giorgio Federico Ghedini. La obra se estrenó ese mismo año en el Teatro Alla Scala de Milán bajo su dirección. En 1954 se le confió el primer premio internacional del Festival Latinoamericano de Caracas, por sus Corales criollos N° 3 y dos años más tarde el Fondo Nacional de las Artes consagró la totalidad de su obra con el Gran Premio de Honor de 1965. Fue miembro de la Academia Nacional de Bella Artes desde 1945, habiéndose desempeñado como director general del Teatro Colón en 1933, director estable de la Orquesta Sinfónica Nacional y miembro del directorio del citado Fondo Nacional en 1958. Ejerció brevemente la docencia en el Conservatorio Nacional de Música (1939-43) y como decano de estudios del Conservatorio de Puerto Rico, especialmente designado por Pablo Casals (1959-64). 

Falleció en Buenos Aires, el día 3 de setiembre del año 1968. Casó con Raquel Aguirre. Fue una mujer que estuve singularmente vinculada con los compositores que nos visitaron y a la realidad musical de nuestro país, amiga de Manuel de Falla, de Conchita Badia. de P. Casals, I. Stravinsky, Arturo Rubinstein, A. Coopland, E. Ansermet. A. Toscanini, F. Bush. etc. Sirvió a la comunidad musical con mucho amor y dedicación.

CATTELANI, Ferruccio

Músico, compositor y profesor. Nació en Parma (Italia), el 28 de marzo de 1867. Estudió en el Real Conservatorio local donde tuvo por maestros a Ludovico Mantovini y Justo Ducci y fue condiscípulo de Arturo Toscanini. Terminada su preparación en 1885, fue contratado como violín solista en los principales teatros de Río de Janeiro, Montevideo, Buenos Aires y Santiago de Chile. Se instala en esta ciudad, en 1897, y ahí dio varios conciertos que confirmaron su fama de eximio violinista. Fundador de la reconocida Sociedad Orquestal de Conciertos y el Cuarteto Cattelani. Al frente de aquella orquesta bonaerense hizo conocer las obras de los grandes maestros entre ellas, la Novena Sinfonía de Beethoven. Dirigió bajo su batuta a más de 50 formadores de música, con los que intervino en numerosos festivales musicales y conciertos. Durante 14 años fue profesor de violín, fundando después el Conservatorio Cattelani. El 10 de marzo de 1900, estrenó en el teatro San Martín su ópera en cuatro actos titulada Atuhualpa, inspirada en un tema americano, que fue bien recibida por el público. Compuso gran número de obras orquestales de cámara, como Himno de Guribaldi; Himno a lu Sociedud “Unione e Benevolenza”; Himno al Centenario (1910) estrenado en el teatro Colón por una orquesta de 400músicos; Seis estudios para violín, etc. En el campo de la ópera presentó el estreno local de Orfeo, de Claudio Monteverdi (/920). Regresó a Italia en 1927, después de más de treinta años de residencia en el país. En esa oportunidad dirigió un concierto de despedida, el 24 de abril de ese año, en el teatro Coliseo, al frente de una orquesta de 120 profesores, ejecutando la Sinfonía Pustoral, de Beethoveen y otras obras. Falleció en Milán, el día 16 de abril del año 1932.

CHAZARRETA, Andrés A.

Músico, docente y compositor. Nació en Santiago del Estero. el 29 de mayo de 1876, hijo de doña Andrea y de don Dolores Chazarreta. Huérfano de madre a los cuatro años, se crío junto a su abuela y sus hermanos. Después de educarse en escuelas provinciales, ingresó a la Escuela Normal de Varones donde se recibió de maestro en 1895, e inició su carrera docente tres años después. Ejerció en el Internado Muñoz, fue director de escuelas de San Fernando, La Merced, Círculo de Obreros y otros, así como inspector de escuelas y secretario del Consejo de Educación de la provincia. Trabajó ininterrumpidamente durante 27 años. Desde pequeño tocaba diversos instrumentos musicales “de oído” y cultivó esta habilidad en forma autodidacta, salvo las breves lecciones de solfeo que recibiera hacia 1898, de don Octavio Esteban. Dio clases de guitarra y mandolín, y en 1911 formó un conjunto de músicos y bailarines folklóricos de 30 personas, con el cual recorrió el noroeste y debutó triunfalmente el 16 de marzo de 1921 en el Teatro Politeama de Buenos Aires. En esa ocasión, fue saludado desde el diario “La Nación” por Ricardo Rojas con la inolvidable nota de “El Coro de la Selva y las Montañas”. Luego de 150 representaciones, pasó a Montevideo, presentándose en el Teatro Solis, e inició una serie de exitosas giras. Autor de célebres recopilaciones como la “Zamba de Vargas” que dio a conocer en el teatro Cervantes de la capital santiagueña, el 25 de agosto de 1906, incluido en el Primer álbum en homenaje del Centenario de la Independencia (1916) y el Segundo Album (1920), integrados por composiciones musicales que fueron difundidos por discos. Ha publicado en total once álbumes de música nativa para piano y dos para guitarra, alcanzando el total de sus composiciones más de 295 piezas entre recopilaciones y creaciones. Se han señalado como dos joyas musicales La siete de abril y Criollita santiagueña. Durante 35 años de su dilatada labor fue artista exclusivo de RCA Víctor donde realizó numerosos trabajos discográficos. En el año 1934, reorganizó su conjunto infantil y recorrió las ciudades del interior. Con él actuó en el Instituto Bernasconi de Buenos Aires subvencionado por el gobierno. Además, trabajó en 1937 en las radios Nacional, El Mundo, Belgrano, Stentor, difundiendo música folklórica. En el año 1941, Chazarreta fundó el Instituto del Folklore (sede de la Casa de Música “Romero y Fernández”), poco después la Escuela de Danzas y la Orquestal de Buenos Aires. En ese mismo tiempo también creo la Coreografía descriptiva de las danzas nativas. Dos años más tarde, presidió la delegación folklórica de su provincia al Festival de Tucumán. En 1954. dictó una conferencia abusiva a la materia, ilustrada por su orquesta, en el teatro Ateneo, de esta Capital. En 1956, debutó en el Teatro Casino, su Compañía de Arte Nativo de Santiago del Estero, con señalado éxito. En ese mismo año dirigió la Casa de Santiago del Estero y también fue reconocido como delegado del gobierno de su provincia en Buenos Aires. En el año 1967 se terminó con el largo y enojoso pleito de la zamba López. Pereira, incluida por Chazarreta en sus álbumes. Falleció en Santiago del Estero, el 24 de abril de 1960. Su pueblo acompañó sus restos a la última morada, y lo consagró como el “Patriarca del Folclore Argentino”. Casó con Ana Palumbo y en segundas nupcias con Gabriela Grijera Lescano. “En realidad, Chazarreta fue el primero que difundió masivamente la música folklórica del norte argentino en el ámbito nacional, lo que representó una verdadera hazaña”. Una calle de Tucumán lleva su nombre.

Era hijo de Octavio Augusto Cortázar y de Irene Lorenzo Valdés. Cursó el bachillerato en el Colegio Nacional de Buenos Aires, donde fue celador, ayudante, bibliotecario y profesor (1926-56). Se graduó en la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales de Buenos Aires como abogado en 1935, profesión que no ejerció. Su gran vocación fueron los estudios folklóricos y literarios. Estudió letras en la Facultad de Filosofía de doctorado alcanzando el de la Universidad capitalina y en 1953 presentó su tesis mulo máximo en 1954.con un documentado trabajo: El literario y literatura folklórica). En esa Facultad también había obtenido el título de bibliotecario en 1940. Dirigió la en 1944, y propuso un nivel intermedio, al fin del segundo 1956. Fue Director de la Biblioteca Central de la Facultad de creador de la Licenciatura en Folklore (1950), en la misma casa, integró además el directorio del Fondo Nacional de las Artes desde su fundación. Fue director de la Bibliografía Argentina de Artes y Letras, y coordinador de asuntos provinciales; Presidente de la Comisión Internacional Permanente de Folklore; Representante argentino ante el Comité Interamericano de Folklore. Fue miembro de “Folklore de las Américas”, entidad fundada por Ralp Steele Boggs (1940); Miembro correspondiente del Instituto de Historia, Lingüística y Folklore de la Universidad Nacional de Tucumán (1941); de la Sociedad Folklórica del Uruguay (1945); Sociedad Folklórica de México (1946); Asociación Peruana de Folklore (1954); y miembro honorario consultor del Instituto de Folklore “Adolfo Vienrich”, de Huancayo (Perú). Ha desarrollado numerosos cursos y cursillos en el país de temas bibliotecológicos, bibliográficos y folklórícos. Participó en el Congreso Internacional de Folklore (Bs. As.1960) del que fue Presidente y en Portugal (1962). 

Realizó numerosos viajes de investigación por las zonas más ricas en sabiduría tradicional y entre sus trabajos de campo merecen citarse El paisaje de los cancioneros bonaerenses y salteños (1937); El folklore y el concepto de nacionalidad (1939); Al margen del folklore; Los juguetes y sus raíces psicológicas y estéticas (1939); Aportes románticos en la constitución de la ciencia folklórica (curso de cuatro conferencias) (1940); Guía bibliográfica del folklore argentino. Primera contribución (1942); Los valles calchaquíes como campo de investigación folklórica (1943); Breve esquema de los estudios folklórícos en la Argentina (1943); La fiesta patronal de Nuestra Señora de la Candelaria en Molinos (1944); El carnaval en el folklore calchaquí (1949); La vida tradicional en las viejas fincas calchaquíes (1949); La virgen de Punta Corral, lo milagroso y humano en su historia (1965). Ha compuesto verdaderas introducciones generales como El foIklore argentino: el noroeste (1950), y para conquistar vocaciones refirió las Andanzas de un folklorista (1964). Dictó clases en numerosas Universidades argentinas, y así se conocen Bosquejos de una introducción al folklore, Tucumán (1942) reúne las pronunciadas en la Universidad tucumana, Punorama y perspectiva de nuestro folklore (1942); Qué es el folklore. Planteo y respuesta con especial referencia a lo argentino y americano, (1954); Esquema del folclore; conceptos y métodos, (1959): Contribución a la Bibliografía Folklórica Argentina (1956-1960) (1960). en colaboración con Carlos Dellepaine Cálcena; Folklore y Literatura (1964). libro de admirable valor teórico y científico. Colaboró en la monumental Historia de la Literutura Argentina, dirigida por Rafael A. Arrieta con un valioso volumen sobre Folklore literario y literatura folklórica (Bs.As. 1959). t. V. Otra colaboración suya fue en la obra de José Imbelloni sobre FarIklore (1959). que mereció el segundo Premio Nacional de tura regional y gauchesca dejó infinidad de trabajos sobre esa temática desde sus primeros trabajos sobre Valoración de la naturaleza en el habla del guacho (A través de Don Segundo Sombru) (1941); indios y gauchos en la literatura argentina (1956). Escribió varios panoramas completos de la poesía gauchesca, y en 1961 prologó una magnífica edición de “Martín Fierro”. Otro tema que le preocupó siempre fue el de interrelación entre la poesía gauchesca y poesía folklórica, del que dejó varios trabajos, el último de los cuales fue Poesía gauchesca argentina (1970). No se puede omitir la Poesía Gauchesca en la historia de las literaturas hispánicas, publicada en España en una colección de obras dirigidas por Guillermo Díaz Plaja. 

Otra de sus tareas, tal vez menos conocida y una de las más importantes y denodadas fue la de bibliotecólogo y bibliófilo, tarea dura y abnegada de servicio, sin la cual es imposible avanzar en serio en ninguna disciplina humanística. Nos referimos a la Bibliografía Argentina de Artes y Letras, ya citada, de la que fue director adhonorem. Editó decenas de volúmenes desde la bibliografía de “La Nación” (1870-1899), la de “Nosotros”, las bibliografías individuales (sobre Ascasubi, Wilde, Larreta, Borges, Banchs, la de Hernández, realizada por Cortázar, FoIklore, Artes Plásticas, etc.) en cuyos asientos ha quedado fichada toda la producción argentina (y extranjera) en muchos casos sobre nuestro país de artes y letras entre 1958 y 1970, para tener una pálida visión de la tarea cumplida. Colaboró en la Historia Argentina Contemporáneo, editada por la Academia Nacional de la Historia (1964), y cuatro años más tarde mereció ser nombrado académico de número de esa corporación. Presentado por el Dr. José M. Mariluz Urquijo disertó sobre Concepción dinámica de la tradición folklórica. Falleció en Buenos Aires, el 15 de setiembre de 1974. Una obra póstuma fue Ciencia folklórica aplicada. La Biblioteca de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires lleva su nombre. Fue un argentino valioso, que alentó vocaciones e hizo una obra de significación invalorable. 

CASTELLANOS, Joaquín

Político jurisconsulto, orador y poeta. Nació en Salta. A los pocos meses perdió a su madre y 21 de abril de1861. Desde adolescente rio donde completo destacase por sus condiciones de poeta. Obtuvo su primer Certamen rosarino. Poco después publicó La leyenda argentina participó en política. Actuó al lado de los rebeldes porteros recibió una herida que le afectó para siempre en Buenos Aires, el 12 de octubre de ese año, mereciendo el premio de honor con El viaje eterno, bellísima composición que fue publicada en folleto. Es una composición dice “La Prensa”, primorosamente concluida, que recuerda en ciertos momentos los arranques de Andrade y la virilidad de Mármol. El joven Joaquín Castellanos, agrega el diario, ha probado con ese canto que en él hay fibra de poeta e inspiración de artista. Se halló en las revoluciones de 1880 y 1893, al tiempo que ejerció el periodismo. Dirigió “El Argentino” órgano del movimiento radical, y pronunció sus vibrantes arengas en el teatro Onrubia y Frontón Florida. Estuvo al lado de Leandro N. Alem y fue desterrado a Montevideo. De esa época es El borracho, su compasión más conocida (titulada después El temulento). A su regreso publicó Ojeadas literarias. Reanudó sus estudios en la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales de Buenos Aires, donde se doctoró en leyes con la tesis Cuestiones de Derecho Público. Fue el primer profesor de historia argentina y de literatura americana en la Facultad de Filosofía y Letras, de 1897 a 1909. Luego fue ministro de gobierno de Bernardo de Irigoyen (1898), dictó cátedras secundarias en La Plata, años antes había hecho lo misio en la Escuela Normal de Catamarca y Colegio Nacional de Jujuy. En 1900, se lo eligió diputado al Congreso de la Nación donde participó en la ley de servicio militar y en diversos debates y proyectos. Todo ello, mientras seguirá su tarea periodística y literaria. En 1909, viajó a Salta y organizó el Partido ampliamente el Viejo Mundo. Por tercera vez fue diputado Morativas del centenario de la muerte de Martin de Güemnes su mandate a causa de la crisis que su posición en la época del movimiento de la Reforma. Fue profesor de enseñanza secundaria en el Colegio Monserrat de Córdoba (191920), y luego se trasladó a Rosario por haber sido designado profesor de la Facultad de Ciencias Matemáticas. Fisicoquímicas y Naturales de la Universidad Nacional del Litoral, donde dictó primeramente la cátedra de Mineralogía, después la de Fisiografía, Mineralogía y Petrografía hasta 1951, en que cesó en sus funciones. Fue miembro del Consejo Directivo de esa Facultad (1922-24, 1927-29 y 1948-50) y Delegado al Consejo Superior Universitario (1934-44).

En 1936, fundó y dirigió hasta 1951, el Instituto de Fisiografía y Geología. En colegios secundarios de Rosario desempeñó cátedras de mineralogía y geología, geografía, química, botánica y zoología. Perteneció a numerosas entidades científicas del país y del extranjero, al Instituto Internacional de Antropología con asiento en París, Societé de Americanistas, de aquella capital, de la American Antropológica Asociación, de San Francisco de California (EE.UU.); Instituto de Estudios Superiores de Montevideo, Sociedad Portuguesa de Antropología y Etnología de Porto, Sociedad Geográfica de Lima, Sociedad Linarense de Historia y Geografía de Chile. etc. Fue redactor de la Revista de la Universidad de Córdoba (1923); colaborador de la Revista argentina de zoogeografía, de Buenos Aires; de Die Erde, de Zurich, etc. Obtuvo Premio Municipal a la Producción científica correspondiente a las Ciencias Naturales (1940). Entre sus trabajos figuran: Florentino Ameghino, contribución al conocimiento de su producción científica (1916); Observaciones (1918);La presencia; Ciervos vivientes y extinguidos de la República Argentina (1924); La familia primitiva (1925); Breves notas sobre los Clamidoterios (1926); Qué es la evolución (1928); La existencia del hombre fúsil en la Argentina (1928);Deformación artificial de un cráneo humano fúsil de la Argentina(1928); El proceso de humanización (1928); Gliptodontes del género (1929); Nuevos restos del hombre Júsil (1931); El hombre prehistórico en la provincia de Córdoba (1934); Breve reseña; Ameghino; Nuevos restos del hombre fósil; Antigüedad geológica del yacimiento de los restos humanos de la Gruta de Candonga (Córdoba),Anotaciones preliminares : El árbol genealógico de los seres (1944): Una nueva especie del valle de los Reartes (1951):etc. Falleció en Rosario en 1975.

CASTILLO, Cátulo

Músico, compositor, poeta, profesor, dirigente y funcionario. Nació en Buenos Aires, el 26 de agosto de 1906.Seudónimo de Ovidio Cátulo González Castillo. Fue hijo de José González Castillo, dramaturgo, sainetero, de enorme prestigio, pero ácrata, cuyas convicciones lo llevaron al destierro a Chile, donde Cátulo comenzó la escuela primaria. Radicados en Boedo, allí estudió de niño algo de música con el maestro Cianciarullo, y continuó durante muchos años hasta llegar a dirigir conjuntos antes de lanzarse a la composición literaria. También tuvo tiempo para dedicarse al boxeo como amateurs y profesional. A los 17 años, compuso la primera parte de Silbando, le pidió a Sebastián Piana que compusiera la segunda, a su padre le pidió la letra y a Gardel, que lo cantara. Luego en 1924, compuso Organito de la tarde, conversos de su padre, que obtuvo el tercer premio en el primero de los concursos organizados por Max Glucksmann, siendo estrenado por Azucena Maizan y rápidamente se convirtió en un clásico. Muy pronto advirtió que el estudio debía acompañar a la inspiración, se inscribió en el Conservatorio Municipal de Música, donde recorrió un brillante itinerario que culminó cuando fue designado director de ese establecimiento y creó la cátedra de Bandoneón, que confió a Pedro Maffia. Por entonces, compuso gran número de tangos para letras ajenas: El circo se va (1925), Aquella cantina de la ribera (1926); La violeta (1929), Corazón de papel (1930), Música de calesita (1930), El aguacero (1931). En 1928, formó una orquesta integrada por los tres hermanos Malerba (Carlos, Alfredo y Ricardo), y Miguel Caló y el cantor Roberto Maida. Con ella, se presentó en varios países de Europa y de África del norte. Después de la muerte de su padre acaecida en 1937, fue abandonando la composición musical para responder a su admirable inspiración poética. A esta segunda época corresponden composiciones memorables: Tinta roja (1941, música de Sebastián Piana), María (1945), Patio mío (1951), El patio de la morocha (1951); Una canción (1953) y esa pieza singularísima en la que el tango canción parece alcanzar el cenit: La última curda (1956), al igual que las anteriores, música de Aníbal Troilo. Uno de sus éxitos postreros fue El último café, música de Héctor Stamponi, con el que ganó el certamen organizado por la firma Odol en 1963.“La poesía de Cátulo se distingue por el empleo de rimas internas, que aumentan la musicalidad del verso, y ciertos amagos surrealistas que se quedan en amago” (José Gobello).Se consagró al gremialismo, fue secretario y presidente de SADAIC, durante varios períodos, incursionó en la burocracia cultural como presidente de la Comisión Nacional de Cultura, pero esas labores no impidieron escribir letras de tangos como Domani. Café de los Angelitos, Papel picado. Anoche. Una canción, A Homero. Ya mi qué. Maríu, canciones de amor, de mujeres y hombres comprometidos por igual en los encuentros y desencuentros de la pareja. En 1955, después del golpe de Estado, padeció persecución política a causa de su simpatía por el peronismo, lo echaron de sus cátedras y no pudo cobrar ni siquiera sus derechos de autor. Entonces se aisló junto con su esposa en una casa de fin de semana y allí se dedicó a escribir y a pintar. Sentía un profundo amor por los animales y cuidaba perros (llegó a tener 90) gatos, gallinas y corderos a los que también curaba como veterinario aficionado. Fue fundador de MAPA (Movimiento Argentino de Protección Animal). Tuvo amistad con grades personajes y con muchos marginados de la sociedad. Y con todos fue leal y generoso. Poco antes de su desaparición el Fondo Nacional de las Artes le otorgó el Gran Premio Anual Un año antes. la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, lo había declarado Ciudadano ilustre Cátulo Castillo es uno de los máximos emblemas porteños. Falleció en Paso del Rey (Prov. de Bs. As.), el 20 de octubre de 1975, pero sus letras no fueron sepultadas por el paso del tiempo.