La crisis financiera de 1929 abrió un paréntesis en la carrera artística de Jelly Roll Morton, y desapareció del proscenio del jazz, consagrando su actividad a distintas tareas. Pero una década más tarde volvió al plano de la actualidad y registró una larga serie de discos para distintos sellos fonográficos, así como para el famoso archivo de cantos folklóricos de la Biblioteca del Congreso de Washington.

Jelly Roll Morton fue uno de los representantes más característicos del jazz de Nueva Orleáns. Se distinguen sus creaciones pianísticas por el recio vigor, por su varonil y demoledora pulsación, por el hondo fervor con que están forjadas en el yunque de una musicalidad de rancia prosapia hot. El suyo es un estilo de incuestionable originalidad, pues el artista recorría caminos inéditos. Por eso, su música está dotada de gracia, dinamismo, vida rítmica, savia popular y autenticidad. En el campo de la orquestación sus trabajos no ofrecen complicaciones de orden formal; son todo equilibrio, mesura, sutileza, porque era parco en el adorno y nunca caía en excesos arquitectónicos. Dentro de una modalidad sencilla que, desde luego, cultivaron también otros conviven los solos instrumentales y los ricamente melódicos ensembles o tutti de improvisación polifónica, en medio de una fresca atmósfera jazzística. Destacabas como cantante por el timbre peculiarísimo de su voz aguardentosa y estridente, muy apropiada para la vocalización hot. Voz no educada, “profunda y áspera”, como dice el poeta estadounidense Langston Hughes que tienen que ser las de los cantantes de blues.

Jelly Roll Morton fue también un prolífico compositor, de inspiración fresca e ingeniosos recursos, que manejaba con mano maestra los materiales folklóricos. En este terreno brindó más de un centenar de páginas imbuidas de una legítima inspiración afro estadounidense, hoy incorporadas a la temática clásica del género. Figurant, entre ellas, King Porter Stomp, Wolverine Blues,The Pearls, Kansas City Stomps, Jungle Blues, Shoe Shiner’s Drag, Mr. Jelly Lord, Black Bottom Stomp, etcetera. Trabajador infatigable, al frente de sus distintos conjuntos los Red Hot Peppers, los Incomparables, su Trío, sus Levee Serenaders, etcétera grabó en discos todas las páginas arriba mencionadas, así como muchas otras.

Louis Armstrong. Con muy pocas excepciones, por singulares que hayan sido los valores de la mayor parte de los jazzmen, surgieron y entregaron su mensaje, desapareciendo después, por lo general sin dejar rastro. Tan sólo unos pocos artistas han conquistado arraigo y permanencia en el jazz. A este minúsculo grupo de excepcionales creadores pertenece Louis Armstrong (1900). Nació este artista en Nueva Orleáns. Durante su infancia hallaba verdadero placer en deambular por los muelles del caudaloso Mississippi, cantando con muchachos como él e impregnándose de las melodías que los estibadores entonaban al realizar sus tareas. No tardó en organizar un cuarteto vocal con tres jovencitos. Cuando contaba trece años se produjo un hecho que, aunque desdichado en cierto modo, marcaría el rumbo que 8abis de seguir su vida. Festeando el advenimiento de un nuevo año, disparó. en plena calle la pistola de su padre. Esta ingenua, aunque peligrosa expresión de júbilo, le costó cara: fue recluido durante un año en un reformatorio. Pero el sucre le acompañó en tal emergencia, pues tuvo la fortuna de que el celador del establecimiento le tomara simpatía y le impartiese los primeros conocimientos musicales. La influencia de los cornetista King Oliver y Bunk Johnson hízo el resto.

Cuando apenas contaba diecisiete años, inspirado en el conjunto del trombonista Kid Ory, organizó una orquesta con el contrabajista John Lindsay. Pero no tardó en presentársele la primera oportunidad cuando se le ofreció el puesto de cornetista de la orquesta del citado Kid Ory. Posteriormente abandonó este conjunto para ingresar en la agrupación que el pianista Fate Marable dirigía en uno de los vapores del Mississippi. De regreso a Nueva Orleáns, King Oliver, que entonces gozaba de éxito en Chicago, lo llamó para que integrara la famosa Creole Jazz Band, en 1922. El joven cornetista se colocaba así en la segura ruta de la fama.

De allí en adelante, la popularidad de su nombre se propagó rápidamente. Pasó de orquesta en orquesta, hasta que el pianista Fletcher Henderson le ofreció el puesto de solista de su famosa agrupación que actuaba en Nueva York. A partir de entonces realizó numerosas tournée. Viajó varias veces a Europa. Visitó Sudamérica y el África. Y recogió los aplausos más estruendosos y los más elevados honores de todos los públicos. Porque es incuestionable que Louis Armstrong constituye la figura del jazz más conocida y apreciada por todos los auditorios. El virtuoso de la trompeta es un artista que ha logrado trascender los estrechos límites de la música sincopada, para trocarse en una personalidad celebrada aun en círculos ajenos al género que cultiva. Ello no se debe, por supuesto, a un hecho azaroso. Su lenguaje jazzístico alcanza planos de tal universalidad que nadie que esté dotado de una elemental sensibilidad musical, puede permanecer insensible a sus creaciones, vocales e instrumentales, que, en un paréntesis de profunda belleza formal, encierra el más denso y estremecido mensaje expresionista. Hacía el vértice de su ciclópea personalidad confluyen diversas corrientes que se fusionan v armonizan para forjar un estilo único, original, inimitable. Porque este artista es dueño de un prodigioso mecanismo técnico, que le brinda la posibilidad de expresarse sin cortapisas de ninguna especie: de un generoso caudal de inspiración cuya llama no mengua ni decae en momento alguno; de un desarrollado y sin duda innato espíritu artístico. que anima, entona y vivífica todas sus creaciones, y de una facultad para improvisar con profunda elocuencia.

Louis Armstrong es uno de los artistas más evolucionados del jazz, sin que las constantes transformaciones por que atraviesa su arte le hagan sobrepasar los límites del lenguaje musical propio del género. Desde sus primeros discos fonográficos, aparecidos en 1923, hasta sus creaciones más recientes, la inquietud y la evolución de su estilo pueden observarse con claridad; pero también es posible advertir en él una evidente y homogénea línea de continuidad. 

Instrumentista dotado de impecable técnica, compositor de talento y original arreglador, participó en importantes movimientos estilísticos del jazz y dirigió numerosos grupos y orquestas de todos los formatos. Considerado como uno de los cuatro grandes saxo-barítonos de la historia del jazz (junto con Harry Carney, Erie Cáceres y Pepper Adams), dominó también el soprano, el tenor y el clarinete. 

De su abundante discografía se destacan tres etapas: su participación en el Noneto Capitol con Miles Davis y Gil Evans recogidas en el disco Birth of the Cool (1949); las grabaciones en cuarteto con el trompetista Chet Baker en la década de 1950 y recopilada en el álbum Gerry Mulligan Quartet with Chet Baker,y su etapaen la Concert Jazz Band de mediados de la década de 1960 (álbum Gerry Mulligan ’63 The Concert Jazz Band).

La forma y la estructura. La composición del espacio físico

En la música, la forma es la estructura que organiza una pieza, dándole coherencia y guiando al oyente a través de una progresión de ideas. Kupchik aplica este mismo principio a la arquitectura. En lugar de diseñar espacios como contenedores de funciones, los concibe como composiciones con una estructura narrativa clara. El ejemplo más evidente es el proyecto del hotel de Recoleta en Buenos Aires, basado en la Divina Comedia. El edificio entero se organiza siguiendo la forma de la obra literaria, creando un recorrido ascendente. Los niveles inferiores funcionan como el primer movimiento de una sinfonía, con una “textura” visual y material más densa y dramática. Los pisos superiores, en cambio, se desarrollan con una “instrumentación” de materiales nobles y claros, generando una sensación de resolución y liviandad, similar a un movimiento final. Esta aplicación de una forma predefinida permite que la experiencia del huésped tenga un principio, un desarrollo y un final perceptibles.

La armonía y la textura. La combinación de estímulos sensoriales

La armonía musical se refiere a la combinación de sonidos simultáneos para producir un efecto cohesionado. Kupchik expande este concepto a la combinación de estímulos sensoriales. Su método busca que los elementos visuales, táctiles y espaciales interactúen de manera armónica. En The Grand Hotel de Punta del Este, por ejemplo, la armonía visual se logra al integrar murales inspirados en el artista Carlos Páez Vilaró con la vista directa al mar. El arte y el paisaje suenan juntos, creando un “acorde” visual que define la identidad del lugar.

De igual manera, la textura musical, que describe las capas de sonido en una pieza, se traduce en la superposición de materiales y ambientes. En la sede de Iguazú, la textura se construye a través del diálogo entre la arquitectura y la selva. Las amplias aberturas y la planificación lumínica permiten que la textura sonora y visual del entorno natural se filtre y se entrelace con los materiales y el diseño interior, creando una experiencia rica y compleja.

El ritmo y la dinámica. La gestión del flujo y la intensidad

Toda pieza musical tiene un ritmo que dicta su pulso y una dinámica que controla sus variaciones de intensidad. En la metodología de Kupchik, el recorrido del huésped a través del hotel se gestiona con estos mismos principios. El ritmo se establece mediante la disposición de los espacios y la curaduría de obras de arte, que pueden funcionar como “acentos” que invitan a una pausa y ralentizan el paso del visitante. La dinámica se controla a lo largo del día. Un lobby puede tener una atmósfera tranquila por la mañana, para luego experimentar un “crescendo” por la noche con la presentación de una banda de jazz en vivo. Esta gestión de la intensidad transforma una estadía en una experiencia viva y cambiante.

El timbre. La identidad sonora de cada establecimiento

El timbre es la cualidad única que distingue el sonido de un instrumento de otro. Kupchik trabaja para dotar a cada uno de sus hoteles de un timbre sonoro distintivo. La música, lejos de ser un fondo ambiental, es un componente central de esta identidad. El programa musical está cuidadosamente curado e incluye ciclos de conciertos con géneros como el jazz, el smooth jazz y fusiones contemporáneas. Esta selección define el “color” acústico de cada propiedad. La curaduría se extiende a la inclusión de colecciones de vinilos e instrumentos musicales en los espacios comunes. Estos elementos actúan como activadores de la memoria emotiva, enriqueciendo la paleta tímbrica de la experiencia y permitiendo una conexión más personal y profunda con el ambiente.

La dirección de orquesta. El liderazgo de un equipo de intérpretes

La visión de Kupchik se materializa a través de su equipo, al que se refiere como una “orquesta de talentos“. Como un director de orquesta, su rol es asegurar que cada “músico“, desde el personal de recepción hasta el de servicio de habitaciones, comprenda e interprete la misma partitura, que es el concepto de la marca. Su liderazgo se basa en un conocimiento profundo de cada “instrumento”, adquirido a través de su experiencia directa en todas las áreas operativas. El resultado es un equipo alineado que puede ejecutar la compleja composición de la experiencia del huésped con precisión y sensibilidad, demostrando que los principios que rigen una sinfonía pueden, de hecho, construir un hotel.

El ambiente como partitura

El huésped cruza la entrada. Lo que ocurre a partir de ese momento no está dejado al azar. Una textura, una temperatura, una línea de luz. Una obra que no busca destacar, pero se queda en la memoria. Un sonido justo en el límite de la percepción. En el trabajo que realiza y lidera Ian Arlyn Kupchik, cada decisión responde a una estructura. Lo visual, lo acústico, lo táctil: todo está integrado con una lógica precisa.

Ian Arlyn Kupchik tiene formación como director de orquesta y violinista. Estudió en Berklee College of Music, y previamente en Franklin & Marshall College. No trasladó esa experiencia a la hotelería como una metáfora, sino como un método. El espacio se organiza como una partitura. Hay un tiempo, una dinámica, una articulación entre los elementos. No se superponen. Se ensamblan.

La planificación del entorno empieza antes del diseño. Surge de una lectura del lugar. Hay espacios que se desarrollan en relación con el paisaje: la vista, la vegetación, la temperatura, el clima acústico. Otros trabajan desde un concepto cultural o simbólico. En todos los casos, Ian Arlyn Kupchik establece una secuencia clara: primero el propósito, después los recursos.

El arte tiene presencia física, pero también estructural. Se integra al recorrido. No actúa como fondo. Organiza la mirada. Lo mismo ocurre con el sonido. Hay momentos con música en vivo —jazz, fusión, líneas contemporáneas— pero también silencios deliberados. En cada caso, la música forma parte del ambiente sin marcar protagonismo. Un vinilo en la habitación, un instrumento ubicado con intención, una pieza que modifica la acústica: el sonido es diseño.

El espacio no se define por un estilo visual. Se construye a partir de decisiones puntuales. Los materiales se eligen en función de lo que se busca provocar. Una curva puede ralentizar el paso. Una textura puede dirigir la atención. Una temperatura puede marcar una transición entre zonas. La experiencia no se explica. Se produce.

La operación acompaña esa estructura. Ian Arlyn Kupchik trabaja con un equipo que no ejecuta tareas de forma aislada. Cada integrante comprende el sistema completo. La formación está pensada para sostener el nivel de detalle sin convertirlo en rigidez. El servicio se organiza como una continuidad del concepto general.

El propio Ian Arlyn Kupchik participó en todas las funciones del trabajo hotelero. Sirvió café. Armó habitaciones. Observó desde adentro. Esa práctica define su manera de dirigir. No hay decisiones desconectadas del funcionamiento diario. Lo estético no está separado de lo operativo.

La dirección no se apoya en lo llamativo. Se basa en consistencia. Cada elemento responde a un sistema más amplio. Cuando la experiencia funciona, no se percibe como un conjunto de partes, sino como un todo fluido. Sin énfasis forzados. Sin gestos que exijan atención.

Ian Arlyn Kupchik no propone una forma de diseño. Propone una forma de organización. Una lógica que une percepción, estructura y ejecución. El resultado no se mide en impacto inmediato, sino en permanencia. Lo que se siente pero no siempre se puede nombrar. Lo que queda cuando todo termina.

Publicación y control editorial desde estructuras independientes

Federico Scialabba preside Music Brokers, empresa fundada en Buenos Aires en 1997, con operaciones sostenidas en América Latina y Europa. El sello trabaja con repertorio propio y licencias internacionales, edita contenidos sin intermediación externa y administra directamente sus catálogos en plataformas digitales. Su catálogo incluye series como Bossa n’ Stones y Vintage Reggae Café, con presencia en formatos físicos y digitales. Charlie Sánchez, fundador de Metales Preciosos Música & Discos, dirige un sello independiente con base en España. Su trayectoria incluye la cofundación de DRO y la presidencia de Warner Music Iberia. En su estructura actual combina control editorial, acuerdos de distribución y selección directa de repertorio. La publicación y gestión del contenido se realiza desde su equipo, con conocimiento operativo de cada canal de distribución.

Operaciones regionales dentro de YouTube Music

Dan Chalmers, director de música para Europa, Medio Oriente y África (EMEA) en YouTube, supervisa la implementación de estrategias musicales en la región. Su trabajo incluye la vinculación con sellos, el seguimiento de acuerdos contractuales y el desarrollo de condiciones técnicas para el funcionamiento del contenido en la plataforma. Tasha Taylor, responsable de asociaciones estratégicas en esa misma región, gestiona acuerdos con editores, sellos y distribuidores. Su función abarca procesos de integración técnica de catálogos, adecuación a marcos legales locales y resolución de condiciones de carga y visibilidad del contenido. Paul Smith, director general de YouTube Music para Asia-Pacífico, administra operaciones en una región con entornos normativos y comerciales diversos. Su tarea implica adaptar las herramientas internas de la plataforma a cada contexto local, trabajando con catálogos que operan bajo esquemas editoriales y legales distintos.

Sistemas que operan sobre partes interdependientes

Los participantes de esta jornada cumplen funciones en estructuras que intervienen en distintas etapas del proceso de circulación musical: desde la producción, edición y carga de contenido, hasta la configuración y mantenimiento de su disponibilidad en plataformas digitales. El encuentro ocurrió como parte de una agenda internacional de trabajo impulsada por YouTube.

Music Brokers desarrolló modelos de negocio basados en eficiencia operativa, edición propia, alianzas editoriales y adaptación a los entornos tecnológicos cambiantes.

Desde principios de los 2000, Scialabba impulsó la construcción de verticales de contenido musical diseñados para múltiples canales de distribución: desde disquerías hasta kioscos, librerías, supermercados y plataformas digitales. 

En ese camino, la empresa también incorporó criterios editoriales que privilegiaron la rotación, el diseño temático y el enfoque de catálogo sobre la dependencia de artistas individuales. La diversificación geográfica (con oficinas en México, Brasil, Chile, Colombia y Estados Unidos) fue clave para escalar y estabilizar operaciones.

Blockchain y automatización en gestión de derechos

Uno de los frentes más relevantes en la evolución reciente de Music Brokers es la exploración de tecnologías como blockchain para optimizar la trazabilidad y la liquidación de regalías. 

Scialabba ha sido un defensor de los contratos inteligentes como vía para garantizar la distribución automatizada de ingresos generados por reproducciones digitales. 

El objetivo es reducir intermediaciones, minimizar los costos administrativos y facilitar la participación directa de productores y creadores en el circuito de valor.

Aunque estos desarrollos aún están en proceso de implementación, Scialabba ha manifestado su interés en que la trazabilidad de derechos permita construir un ecosistema más transparente y ágil, con reglas claras para la distribución de valor en la era del streaming.

Datos de uso, segmentación de audiencias y diseño de contenido

Otra de las áreas en las que Music Brokers ha enfocado esfuerzos es la interpretación de datos de escucha como insumo para definir catálogos y lanzamientos. A partir del análisis de patrones de consumo en plataformas como Spotify o YouTube, se desarrollan colecciones musicales con distintos enfoques temáticos o contextuales.

Scialabba plantea que la música, en muchos casos, opera como soporte funcional en la vida cotidiana: desde espacios comerciales hasta ambientes domésticos. Por eso, la compañía diseña productos orientados a momentos de uso, aunque sin atribuir efectos fisiológicos ni realizar afirmaciones clínicas. 

La lógica se apoya en datos agregados y decisiones editoriales basadas en comportamiento de usuario, más que en validaciones científicas.

Exploración de personalización tecnológica

El trabajo con metadatos, etiquetado automatizado y herramientas de inteligencia artificial permite organizar grandes volúmenes de contenido, facilitar la segmentación y potenciar la visibilidad del catálogo en entornos de alta competencia. 

Music Brokers explora estas tecnologías no como fin en sí mismo, sino como apoyo al diseño de experiencias musicales más ajustadas a los hábitos del consumidor digital.

Si bien existen líneas de interés en torno a la integración de la música con entornos tecnológicos emergentes (como dispositivos de escucha portátil o análisis de comportamiento), las iniciativas de Scialabba no se presentan como desarrollos biomédicos ni como intervenciones clínicas. 

Su visión se centra en ampliar las formas en que el contenido se vincula con la audiencia en circuitos comerciales y culturales.

Enfoque y sostenibilidad empresarial

A lo largo de su gestión, Federico Scialabba ha sostenido una estrategia de crecimiento basada en la independencia financiera, el aprovechamiento de oportunidades durante contextos de crisis, y la búsqueda constante de eficiencia operativa. 

Bajo su dirección, Music Brokers combinó venta tradicional con digital, desarrolló productos para distintas audiencias, y estableció acuerdos de distribución con grandes retailers y empresas editoriales.

Su visión empresarial pone en el centro la adaptabilidad tecnológica, la diversificación de ingresos y el control sobre el catálogo como activos estratégicos. 

Scialabba sigue de cerca los debates sobre el valor de los contenidos digitales, la propiedad de los derechos y el futuro de los modelos de monetización en un entorno altamente concentrado.

El trabajo de Scialabba representa un caso de gestión que, sin prometer disrupciones tecnológicas, ha sabido interpretar los cambios estructurales del negocio musical y responder con soluciones comerciales viables, sostenidas en tiempo real por datos, experiencia de mercado y lectura estratégica del contexto.

Arte, activismo y petróleo: una avant-première con mensaje ambiental

Con motivo de la llegada del buque Arctic Sunrise al puerto de Buenos Aires, Greenpeace organizó la avant-première de su primer documental centrado en los impactos de la industria petrolera sobre el Mar Argentino. La producción fue presentada tras una travesía de un mes realizada por la emblemática embarcación ambientalista, que recorrió zonas de alto valor ecológico amenazadas por la exploración offshore. En el evento participaron los protagonistas del filme, Natalie Pérez y el Chino Darín, quienes compartieron sus reflexiones sobre el rodaje y su involucramiento en una causa que expone los riesgos ambientales de esta actividad extractiva. También se sumó el periodista Diego Poggi, quien brindó su testimonio en video antes de la proyección, reafirmando la urgencia de defender los ecosistemas marinos argentinos.

Música, infancia y cultura para un cambio sostenible. Canciones que educan e inspiran

Bajo su liderazgo, Greenpeace Andino produjo la serie infantil “Lina y los amigos del arcoíris”, una propuesta audiovisual que combina personajes animados y canciones originales para abordar temáticas como la separación de residuos, el compostaje, el consumo responsable y la defensa de los ecosistemas. El proyecto está diseñado para que niños y niñas puedan asimilar contenidos ambientales de forma lúdica y musical, promoviendo desde edades tempranas una sensibilidad ecológica.

Las canciones incluidas en la serie, entre ellas “Estamos a tiempo”, “Pesca ilegal”, “Glaciar” o “Canción de orilla al humedal”, funcionan como piezas educativas y emocionales. Cada una actúa como un disparador de reflexión sobre un tema ambiental concreto, apelando tanto a la memoria sonora como a la participación activa de quienes escuchan. El objetivo de esta estrategia es claro: crear vínculos tempranos con el entorno y fomentar una ciudadanía ambiental consciente a través del arte.

Sonido Ambiental: un podcast sobre sostenibilidad cotidiana

Además, Greenpeace desarrolló el podcast “Sonido Ambiente”, una serie de episodios que abordan desde un enfoque accesible y crítico temas como la contaminación por plásticos, la industria de la moda rápida, la movilidad sustentable, la alimentación y los residuos electrónicos. Se trata de un formato pensado para audiencias jóvenes y adultas, con interés por la sostenibilidad y el consumo informado.

Narrativas animadas como puerta de entrada a la conciencia ecológica

En la misma línea de exploración creativa se ubica el corto animado 3D “Zoio”, una propuesta que incorpora narrativa audiovisual con estética contemporánea para cuestionar las lógicas destructivas que afectan al planeta. La apuesta por estos formatos responde a una premisa estratégica: la necesidad de traducir la complejidad ambiental en experiencias comunicativas accesibles, atractivas y emocionalmente movilizadoras.

Para Natalia Machain, el vínculo entre cultura y ecología es fundamental. Desde su perspectiva, las herramientas tradicionales del activismo deben complementarse con lenguajes culturales que interpelen al público más allá del dato o el informe técnico. La música, en ese sentido, se convierte en una forma poderosa de construir conciencia, empatía y transformación.

Un enfoque que vincula arte, estrategia y transformación

Estas iniciativas forman parte de una mirada de largo plazo, en la que la comunicación ambiental no solo informa, sino que conecta, emociona y genera sentido de pertenencia. La integración de contenidos musicales, narrativas animadas y formatos sonoros en la acción ambiental de Greenpeace Andino es una muestra de cómo el liderazgo de Machain busca innovar en la forma de hacer ecología pública, utilizando el arte como vehículo de cambio.

Además de facilitarles a las personas a que puedan compartir música con otra -desde cualquier lugar y, de cualquier forma-, sirvió como un primer aviso de lo que era capaz Internet, en términos de conexión y comunicación.

A los 2 años, Napster perdió la batalla legal contra discográficas y artistas que lo habían denunciado asegurando que el servicio infringía el copyright de miles de canciones.

Finalmente, la creación de Pandora Radio en 2004, el lanzamiento en abierto de Spotify en 2011 y, la fundación de Tidal y Apple Music en 2015, fueron quienes conformaron algunos de los hitos de la historia de la música en streaming.

Precisamente, en 2015 por primera vez, superó en volumen de negocio a la venta física de música en Estados Unidos, el mayor mercado del mundo para esta industria. Las cifras han sido similares en los principales mercados mundiales como en Japón, Alemania, Reino Unido y Francia, entre otros.

Aun así, ¿la música en streaming es un negocio sostenible?

De la cultura de la propiedad a la cultura del acceso

A partir de este punto, vale recordar que Napster fue quien iluminó a la gente a un nuevo camino de utilidades en Internet. Básicamente, a compartir a través de la red con cualquier persona del mundo, no obstante, también introdujo en los usuarios esa semillita de conseguir un contenido sin tener que pagar por él.

Así comenzaron las descargas ilegales y no solo con la música. Antes de la aparición de Internet la única manera de escuchar una canción era a través de la radio o la televisión, o bien con un CD, un casette o el vinilo correspondiente. Con Napster, tan solo era necesario el nombre del link o conectar con el usuario adecuado para obtener el último lanzamiento de tu artista favorito.

Vale recordar que, aunque el consumo musical -poco a poco- pasó de basarse en productos físicos a productos digitales, la filosofía de la gente seguía siendo tener un disco, aunque fuera un archivo descargado ilegalmente.

Sin embargo, cada vez era mucho mayor la penetración de la música en streaming. Sin dudas, un antes y un después en suponer una nueva transformación en cómo se consume “el arte de las musas”.

Pasó a ser increíble, pero hoy en día por el precio que sale un disco físico, se puede obtener una suscripción premium a cualquier servicio como Spotify o Apple Music, entre otros y a cambio se tiene a disposición en el smartphone, tablet u ordenador (y en cualquier momento) un catálogo de millones de canciones.

Esto sí que sin dudas es una nueva cultura del acceso que también se ha expandido exitosamente al formato audiovisual. Eso incluye a las plataformas como Netflix, Hulu o Amazon Prime a la cabeza que tienen diversas implicaciones. Ahora bien, la pregunta está en si realmente será el streaming ese reemplazo.

El streaming en cifras

Según la RIAA (Recording Industry Association of America) el mayor volumen de venta de CD’s se logró en Estados Unidos en el año 2000. En ese momento se vendieron 943 millones de discos con unos ingresos totales de casi 14.000 millones de dólares. Si se cuenta la evolución del dólar y la inflación, serían unos 19.250 millones de dólares en el año 2014.  

Esos han sido los datos más accesibles y cercanos al año 2015, el momento en el que el streaming generó en Estados Unidos unos 2.400 millones de dólares. Vale recordar que esa cifra supuso que el streaming superaría por primera vez en la historia a la venta física en Estados Unidos.

Como fuese, en cualquier caso, como se puede ver, queda muy lejos de los ingresos en la etapa dorada del disco físico. Mientras la pregunta es cuánto gana un artista por cada stream de una canción, la respuesta es que depende del servicio.

Sin embargo, las cifras se sitúan de media, en torno a los 0,0012 dólares por stream o reproducción. Luego, de eso, un artista con discográfica obtiene un 20%. Cuando se hacen estos números, se comprende que haría falta más de un millón de reproducciones para que el artista logre una ganancia de 1.260 dólares, pero, es una realidad que lograr ese volumen de escuchas no está al alcance de todos y mucho menos de forma prolongada y recurrente en el tiempo.

Aunque la música en streaming es una historia presente y que se está escribiendo hoy en día, no es un modelo de negocio sostenible como para sustituir al tradicional. Es más, quizá nunca llegue a serlo. Posiblemente, el streaming se quede solo como un negocio que da acceso a otros dentro de la música como por ejemplo para la venta de merchandising, conciertos, copyright, etc. Es decir, que solo sea una parte de un todo más diversificado.

Vale recordar que, en aquel momento la música se pasaba con vinilos. Scialabba tenía dos bandejas y una casetera de videos donde ponía sus VHS con videoclips enganchados. En ese momento en que se quemó la bandeja recordó que fue como si le cortaran una mano. Empezó a pensar a toda velocidad cómo haría para salir adelante. Justo estaba sucediendo el mejor momento de la fiesta y el lugar estaba lleno de personas que justamente habían pagado su entrada.

Se miraron con el iluminador y se preguntaron cómo harían para salir del problema. Se le ocurrió cambiar de rumbo por completo y por eso buscó un video, Sweet Dreams de Eurythmics, que no tenía mucho que ver con lo que estaba sonando. Sin embargo, era algo que siempre encendía a la gente.

Federico Scialabba: “cambiaba los vinilos cuando la gente cantaba los coros”

Así fue como Federico Scialabba levantó el brazo de la bandeja a toda su altura y empezó a apilar vinilos.No podía haber silencios entre las canciones y el tiro con los videos era uno solo y precisamente, ya lo estaba usando. Así fue como pensó en una estrategia arriesgada: poner canciones que la gente acompañara durante los estribillos. Así es como intentaría llegar al primer o segundo estribillo, mientras bajaría el volumen y todos cantaran, él colocaría el vinilo siguiente.

Aunque parezca una locura y hasta una mentira, funcionó. De 4 a 6 de la mañana así estuvieron ¡cantando! Federico se la pasó 2 horas cambiando vinilos mientras el público cantaba. Llegando el final, muchos se acercaron y le dijeron que había sido la mejor fiesta de su vida.

La consagración de Federico Scialabba como DJ

Verdaderamente, se creó un ambiente especial porque todos se la pasaron cantando. La realidad es que no había otro recurso, pero su idea fue fantástica. A las 6 de la mañana, aunque todos querían seguir, decidieron cerrar con un video. Es más, prácticamente los echaron. Cuando se fueron todos, llegó el encargado y le dio un abrazo emocionado para recompensar lo que describió como un momento mágico. Su carrera como DJ fue muy divertida, hicieron varias giras con la Z95, una radio que es muy importante en Argentina. Sin embargo, Federico siente que en aquella noche realmente él se recibió de DJ.

A la Z95 llegó por casualidad. Tenía aproximadamente 13 años y se encontraba haciendo un curso de inglés en Londres. Sus padres le habían dado lo justo para cubrir los gastos. No obstante, en lugar de gastarse lo convenido en los almuerzos, se iba a las disquerías y se compraba discos. En aquel momento los lanzamientos eran los lunes, no como ahora que son los viernes, Por ello cada lunes se iba por la novedad. Cuando regresó al país estaba alimentado a puro pan, pero se había hecho de una gran colección de música.

LA Z95 y la Batalla de los DJ

Al poco tiempo alguien le había comentado acerca de un concurso en la Z95. Al parecer, había que contestar adivinando el título de la canción que pasaban. Cuando Federico contó todo esto, aclaró que era importante que en esos momentos no había internet ni redes. Él había traído de Londres todas esas canciones, así que llamó por teléfono, respondió una por una y ganó el concurso. Al día siguiente fue con un amigo a retirar el premio. Tenían 14 años, cuando los vieron y les preguntaron con cierta ironía si eran DJS.

En ese momento todavía ni soñaban con ser profesionales, pero la música era casi lo único que les interesaba de verdad. Les contó todo lo que había comprado en ese viaje y les pareció gracioso. Así fue como les propusieron colaborar con la radio y por supuesto, dijeron que sí.

Sus padres le dieron permiso y empezó a trabajar en la Z95. Al año, se armó “la batalla de los Disc-Jockeys” en la que participó junto a una camada que, hasta el día de hoy, Federico las considera la más importante que dio Argentina. Eso derivó en un programa de radio que inmediatamente se volvió un icono.

Después, le propusieron tener el suyo propio y aceptó. Como era el DJ más joven en edad que se ganó rápidamente a la audiencia adolescente, los que conformaban ese segmento los seguían. El programa se llamaba “Música Maestro”. Así fue como un día apareció el director de una radio mítica del momento, la Rock & Pop, Quique Prosen.

De la nada, se transformó en un gran amigo y le dijo que quería comprar su pase para que dejara de trabajar todos los días en la Z95 y pasara a las noches de los findes de semana, pero en Rock & Pop. Sin dudas, ese era un crecimiento muy importante, y como él ya estaba trabajando también para Trípoli, una compañía discográfica indie, disponía de tiempo en la noche y en la semana, además de que le venía muy bien.

Definitivamente, una anécdota super creativa de la consagración de Federico Scialabba de Music Brokers como DJ.

Actualmente, la música vive días complicados o al menos así pareciera si se mira a la industria que está tratando de adaptarse lo mejor posible a la era digital. Mientras todavía sigue empeñada en venderla en formato físico, todos sabemos que esos tiempos quedaron muy atrás y que hoy todo el mundo lleva su música digitalmente ya sea un pendrive o en el móvil.

Es una realidad, pero las tecnologías le han dado paso a una nueva era tanto en la manera en la que se escucha y se consume, como también en la forma en la que se crea y se produce.

Ya sean los ordenadores, los instrumentos virtuales o los dispositivos móviles, cualquiera de ellos sirve hoy en día para crear canciones casi sobre el momento. Incluso, se consiguen éxitos que luego se suben directamente a internet, en diferentes plataformas que llegan a millones de usuarios con tan solo un click. Existen numerosas aplicaciones para crear música, y en esta nota intentamos concentrar algunas de las mejores.

Hoy en día cualquiera puede crear y componer música

Ante todo, es cierto que la música, como arte, tiene ciertas normas y hasta hay que estudiarla bien para entenderla. Pero hoy en día, precisamente gracias a la tecnología y a todos los programas que hay, cualquiera es capaz de crear y componer música en un rato.

Justamente estas aplicaciones están pensadas para aquellas personas que no tienen estudios de solfeo, armonía o composición, pero que amen la música y tengan ideas que quieren convertir en canciones.

De esta manera, se les facilita mucho el hecho de poder componer obras que no son muy complejas y claramente, sirven como primeros pasos para quienes quieran crear su propia carrera musical lo hagan sin tener que pasar por el conservatorio o por clases de música.

GarageBand: sus enormes posibilidades

Es la aplicación que reina para los músicos que tienen iOS. Así es. Apple tuvo la idea de desarrollar un estudio de música muy completo y a la vez intuitivo y lo consiguió con GarageBand. Esta app se puede encontrar tanto en cualquier ordenador como en los dispositivos móviles.

A través de ciertos patrones ya predefinidos, instrumentos virtuales y una ayuda constante, GarageBand permite componer los propios temas y darle una forma semiprofesional de una forma bastante sencilla e intuitiva. En pocas horas, cualquiera podría disfrutar componiendo y creando música de una forma divertida con este programa.

Notion: es ideal para crear partituras sencillamente

Esta app también se encuentra en iOS y es muy interesante. Propone algo verdaderamente costoso en papel, pero que una vez que se traslada a la pantalla se convierte casi en un juego con la creación de partituras.

Básicamente, Notion es una app muy completa en ese sentido. Ayuda a crear y ajustar aquellas partituras que ya se tienen para dejarlas perfectas como también para poder ir componiendo sobre la marcha. Eso sí, se debe tener noción de solfeo, ya que está más enfocada a los músicos de conservatorio (incluso profesionales) que dominen perfectamente esto del solfeo y las partituras.

Incredibox: es una herramienta rápida y fácil para componer

Para quienes aman el beat box y siempre han querido probar suerte con este curioso estilo musical ya pueden empezar a ensayar con Incredibox. Es una app casi como un juego donde se puede controlar a numerosos beatboxers y crear canciones muy divertidas como también pegadizas. Todo, gracias a la ayuda de la propia aplicación.

Se basa en un sistema de colores muy intuitivo. Lo cierto es que Incredibox es todo un descubrimiento para quien comienza a usarla y ayuda a simplificar todo a la hora de componer sin quitarle calidad a la creatividad que salga de la mente. Los resultados, son sorprendentemente buenos. Incluso, es perfecta para las personas que no tienen muchas nociones musicales.

Consejos para añadirle voz a las canciones

Hoy en día, casi todos los teléfonos móviles cuentan con micrófonos incorporados y en general son lo suficientemente buenos como para darle calidad a una toma de voz para que luego se pueda incluir en una canción.

Es cierto que el resultado no va a ser del todo profesional. Sin embargo, siempre se puede buscar la manera de grabar lo mejor posible esa voz e incluirla en las composiciones. Lo ideal es buscar un sitio tranquilo donde se pueda grabar y que el ruido de fondo no estorbe. Será necesario hacer todas las tomas que hagan falta y se pueden experimentar con los filtros y efectos necesarios para darle un toque más profesional y que suene lo mejor posible en las canciones.

La humanidad está inmersa en un entorno digital que invita a una extraña —tal vez engañosa— sensación de acceso, control y poder de decisión. La oferta parece infinita y, como se supone que los contenidos circulan sin obstáculos, la libertad de elección se considera garantizada. ¿Pero realmente es así? En este contexto surge una nueva pregunta que podría resultar capciosa: ¿los usuarios descubren música gracias a los servicios de streaming o la música los descubre a ellos? 

Así como en el mundo “real” o “físico” las tiendas deciden qué exhiben en sus vidrieras, las plataformas virtuales pueden mostrar, esconder o eliminar ciertos productos y contenidos. Lo paradójico es que somos perfectamente conscientes de lo primero, pero diversas investigaciones indican que la mayoría de las personas ignora lo segundo. Casi todos creemos gozar de una libertad y de un acceso sin restricciones aunque no siempre es tan así.

“El streaming hace que la experiencia auditiva sea mucho más pasiva”, explica Jared Samuel Elioseff, un usuario experimentado que vive en Nueva York. “La palabra ‘streaming’ es uno de esos términos que poco a poco se va asimilando al lenguaje cotidiano. Antes de que existiera la transmisión de música, las cosas eran diferentes. Esta idea de que puedes abrir un grifo y sale música modificó por completo la realidad”. 

Una manera de intentar un recorrido propio a través de la escucha está relacionada con la experiencia de las playlists. De alguna manera, las listas se presentan como la síntesis entre la tecnología y la noción antigua de “recomendación”. El trabajo de Music Brokers con respecto a las playlists es digno de destacar: con más de 500 listas que se comparten entre millones de usuarios es sin dudas una de las discográficas independientes más activas.

Con el objetivo de mejorar la experiencia de sus seguidores, y aprovechar las posibilidades que brinda la tecnología, Music Brokers creó un “curador online” basado en inteligencia artificial. Este DJ personal, con formato de bot, está siempre disponible y en línea, y sugiere listas según el historial de las preferencias indicadas por cada usuario. 

Federico Scialabba, CEO de Music Brokers, comenta: “El 80% de la gente consume música a través de playlists. En Music Brokers descubrimos hace tiempo que pasaron a ser las bandas sonoras de la vida de cada persona”.

Y esas bandas sonoras que están contenidas en hilos, potenciados en parte por los mismos seguidores, terminan de definir una trama que tiene como núcleo una especie de creación colectiva. 

“Hace una década, para lanzar un servicio de música digital, probablemente habrías contratado a un grupo de creadores hipsters que recopilara música novedosa”, comenta Eric Schmidt, antiguo CEO de Google. “Hoy en día es mucho mejor construir un sistema que pueda aprender del mundo real, de lo próximo a lo que los oyentes son más propensos disfrutar, y ayudarte a predecir quién y dónde podrá estar la próxima Adele.” 

Por su parte, Federico Scialabba, CEO de Music Brokers agrega: “Las playlists son una herramienta fundamental para lo que podemos definir como escucha pasiva. Esta escucha pasiva o música ambiental tiene la ventaja de ser accesible y dinámica, dado que la actualización de las listas se hace en forma periódica y permite una renovación constante de la música en estos ambientes”. 

Las playlists ofrecidas por el Dj virtual de Music Brokers son diversas: Lounge; Reggae; Jazz; House & Deep House; Acoustic & Chill Out; Bossa Nova & Electrobossa; Trending World Music; Background & Ambient; Music for Different Moments; Relax & Wellness. 

Para recorrer la experiencia del DJ personalizado y sus múltiples playlists recomendamos acceder a este link https://playlists.mbrokers.com/