Entre los espectáculos más difundidos figuran los conciertos, ejecuciones musicales públicas o privadas con intervención de uno o más músicos. Cuando participa un solo ejecutante se suele emplear para denominarlo la palabra inglesa recital, reservándose el término concierto para los que se adaptan mejor a la acepción de pluralidad, indicada por su etimología latina. Cuando este tipo de reuniones musicales se compone exclusivamente de obras religiosas, recibe el nombre de concierto sacro.

Recitales

La palabra recital fue introducida en la terminología musical por el talentoso y popular pianista y compositor húngaro Franz Liszt (1811-1886). Esta la empleó hacia el año 1840, durante su primen época de concertista, para designar como se di anteriormente las audiciones en que no tomó parte más que un solo ejecutante. Los recitales pueden ser musicales o poéticos Los de música están a cargo de solistas, entre los cuales ocupan con gran ventaja el primer puesto los pianistas; les siguen en importante los violinistas y, después, los violoncelistas. Los recitales de flautistas, arpistas, guitarristas, etc. son poco frecuentes y suelen celebrarse tan sólo con la intervención de alguna figura excepcional El canto de cámara se expresa a través de recitales de lieder.

Festivales

Se denominan festivales los conciertos que, por su especial organización, su finalidad, el número de sus ejecutantes y las obras que en ellos se interpretan tienen características excepcionales. Se originaron en Inglaterra, donde hace un par de siglos los coros de las iglesias o las sociedades de canto solían reunirse en fechas fijas para celebrar audiciones solemnes, costumbre que hoy perdura. El festival de Los Tres Coros es un ejemplo en ese sentido. Formado por los cantores de las catedrales de Gloucester, Worcester y Hereford, se celebra alternativamente en cada una de estas tres ciudades, a partir de 1724. Durante el día se ejecuta música sacra, como el Te Deum de Purcell o el de Haendel, y antífonas de los compositores clásicos ingleses; en las sesiones nocturnas se interpretan, en cambio, oratorios antiguos y modernos. Los solistas y los miembros de la orquesta son contratados para cada una de las reuniones anuales, que desde 1836 tienen una duración de cuatro días. El Festival Trienal de Norwich se realiza regularmente desde 1824; el de Leeds, trienal también, data de 1874, y el de Sheffield, el más reciente, es anual. Entre los festivales organizados por razones particulares, ninguno tan célebre como el de la conmemoración de Georg Friedrich Haendel, que se realizó en Londres con motivo del centenario de su nacimiento. Su éxito fue tan grande que tuvo que repetirse durante cuatro años consecutivos. Estos festivales tienen un papel muy importante en el Reino Unido, donde no sólo se rinde culto a los grandes maestros clásicos, sino también a los autores modernos y contemporáneos, prefiriéndose la cantata, la sinfonía y el oratorio, expresiones máximas de la música no operística.

Alemania celebra festivales periódicos, tales como el Festival Renano, el más antiguo y renombrado, que desde 1824 se realiza cada año en Colonia, Düsseldorf y Aquisgrán, alternativamente. El festival anual de la Asociación de los Músicos Alemanes tiene lugar cada vez en ciudades diferentes. El Festival Beethoven se inició en 1845 en Bonn, con motivo de la inauguración de su estatua. Mención especial merecen los tres festivales Bach, de Berlín (1901), Eisenach (1907) y Leipzig (1911). El nombre dado por Wagner a las representaciones efectuadas en su teatro de Bayreuth, Festspiele, es el equivalente alemán de la palabra festival. En Francia se aplica este vocablo a conciertos que no tienen más importancia que la que deriva de su carácter inusitado o de la presencia en el estrado de muchos ejecutantes, como sucede en un festival de orfeones o en uno de bandas militares. Ciertas audiciones relacionadas con las exposiciones universales o con acontecimientos del día, como el Festival de las Tres Guardias, realizado en París en 1916, han dejado duradero recerdo.

En Italia los festivales alcanzaron un desarrollo muy notable y justa fama mundial; el más importante de todos es el famoso Maggio Fiorentino, que se celebra anualmente en Florencia. Este festival, en el que se dan cita los compositores, poetas, pintores y escenógrafos más destacados, tiene su origen remoto en la Camerata Fiorentina, especie de academia musical fundada en dicha ciudad, a fines del siglo XVI, por el noble florentino Giovanni Bardi (1534-1612), a quien se atribuye la primera idea sobre la ópera, precisamente porque fue en la Camerata donde se concibieron y efectuaron las reformas de la composición musical que prepararon el advenimiento del género operístico. Actualmente, el Maggio Fiorentino, el Festival de Bayreuth y el de Salzburgo, cuna austríaca de Mozart, son los que atraen, por lo general, mayor número de participantes.

El origen de los conciertos debe buscarse en la actuación de troveros y trovadores en las fiestas de la corte, en los cortejos, en las procesiones y en los festejos populares de la Edad Media. Sin embargo, los primeros conciertos regularmente organizados se celebraron en París, en la Academia que fundó en 1570 el poeta y compositor Jean Antonine Baif (1532-1589). Tuvieron una corta vida, siendo reemplazados, en el siglo XVII, por tentativas individuales, igualmente efímeras. Los maestros, como se denomina a los mejores intérpretes de la música, daban conciertos en sus propios domicilios, con el fin de fomentar su práctica, y pronto los aficionados ricos consideraron de buen tono la celebración en sus casas de reuniones periódicas, con intervención de algún músico. El 18 de marzo de 1725, en una de las salas del palacio de Las Tullerías, de París, fueron inaugurados los famosos Concerts Spirituels, fundados por Anne Danican Philidor (1681-1728), cuyas sesiones se extendieron hasta los mismos días de la Revolución Francesa. Su repertorio, durante ese largo lapso de más de sesenta años, lo integraban obras vocales e instrumentales compuestas por maestros franceses y extranjeros. Sus sesiones sirvieron de modelo a las academias de provincias y su éxito hizo nacer, en París, hacia 1775, una empresa rival: el Concierto de los Aficionados o Concierto de la Galería Olímpica. Durante la Revolución el público parisiense frecuentó el Concierto de la calle Clery, acudiendo también a menudo a escuchar las interpretaciones dadas por los alumnos del Conservatorio, ocasiones en las que se ejecutaron por primera vez algunos fragmentos de las sinfonías de Beethoven. En 1828 se celebró la primera sesión de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio, con la dirección de su fundador, el violinista y compositor francés, de origen alemán, François Antoine Habeneck (1781-1849), ofreciéndose en tal oportunidad la Tercera Sinfonía, de Beethoven, conocida por Heroica. La calidad de sus conciertos colocó a esa institución en un lugar destacado, teniendo sucesivamente como directores a Jean Girard, Théophile Tilmant, François Hainl, Edouard Deldevez. Claude Paul Taffanel, Eugéne Marty y André Messager, entre otros. En el siglo XIX se produjeron nuevas tentativas para constituir sociedades similares, formándose la de los Jóvenes Artistas, la de Santa Cecilia y muchas otras menos destacadas. Desde su construcción, en 1878, la Sala de Fiestas del Trocadero fue lugar preferido para la celebración de muchos festivales y conciertos de órgano. Junto con éstos, los conciertos de la Schola Cantorum desarrollaron el gusto por las audiciones de carácter histórico, educando y preparando al público que, más adelante, habría de formar parte de sociedades como la de Bach, la de Haendel y la de Instrumentos Antiguos. La influencia de los conciertos en la vida musical fue creciente, tanto en las más importantes naciones del resto de Europa como en América.

En Italia se realizaron al principio en las iglesias, hospitales y orfanatos; posteriormente, al crearse los conservatorios, cada ciudad importante de la península tuvo brillantes instituciones sinfónicas o corales. Los conciertos del Conservatorio de Bruselas, con la dirección de François Auguste Gevaert (1828-1908), famoso compositor y musicólogo, tuvieron trascendental importancia para la vida musical de Bélgica. Gran Bretaña tuvo también elevado número de sociedades y empresas de conciertos, entre las cuales sobresalen la Academia de Música Antigua, de Londres; la Sociedad Filarmónica y los Conciertos del Palacio de Cristal. En Alemania y Austria surgieron importantes instituciones, como la Sociedad de los Amigos de la Música, en Viena; la Academia de Canto, en Berlín, y el Gewandhaus, en Leipzig. España, por su parte, dio nacimiento, entre otras, a dos importantes instituciones: la Orquesta Sinfónica de Madrid, que tuvo por director al compositor Enrique Fernández Arbós (1863-1939), y el Orfeó Catalá, de Barcelona, conjunto de música vocal, fundado y dirigido por el maestro Luis Millet (1867-1941).

Es destacable, asimismo, la labor desarrollada por las orquestas radiales europeas: BBC, de Londres; de Hamburgo, Baden Baden, Colonia, Múnich (Alemania); Zurich (Suiza); Turín (Italia), etcétera. La actividad musical es intensa también en América, cuyas principales ciudades rivalizan con las europeas en la organización de grandes conciertos sinfónicos, de cámara o vocales. Por lo que respecta a los Estados Unidos, cabe destacar a las orquestas sinfónicas de Filadelfia, Chicago, San Francisco, Cleveland, Los Ángeles, Boston, Columbia, Oklahoma y Detroit, así como a la orquesta de la Opera Metropolitana de Nueva York, la sinfónica de Hollywood Bowl, la Boston Pops, la sinfofilarmónica de Nueva York y las de la National Broadcasting Company y de la R. C. A. Víctor. Puede considerarse a Buenos Aires como el centro de las manifestaciones musicales de América latina. Entre sus numerosas orquestas sinfónicas cabe destacar la Nacional, la Filarmónica de Buenos Aires, la del teatro Colón y la de la Sociedad de Amigos de la Música. Por el teatro Colón, mundialmente famoso a causa de su tradicional aportación a la vida musical y artística de los países americanos, han desfilado y desfilan anualmente al margen de las funciones de opera propias de dicho teatro los más celebrados directores de orquesta, instrumentistas y solistas, nacionales y extranjeros. Merece señalarse, asimismo, la notable labor de la Asociación Wagneriana, con sus anuales series de conciertos de la más diversa índole; la Sociedad Amigos de la Música, y los conciertos gratuitos de la Radio Nacional. Existen varias orquestas sinfónicas e instituciones musicales en las provincias argentinas: Rosario, Santa Fe, Córdoba, Mendoza, Mar del Plata, Tucumán, etcétera. Otras orquestas americanas de importancia son: la Sinfónica de México, la Filarmónica de La Habana y las sinfónicas nacionales de Lima, Caracas, Montevideo, Río de Janeiro, Santiago de Chile, Costa Rica, Bogotá, Panamá, Guatemala y el Salvador. Muchas otras se hallan en estado de fundación, con perspectivas halagüeñas.

BERNSTEIN, Arturo Herman

Músico, compositor. Nació en Petrópolis (Brasil), el 3de noviembre de 1882. Llegó a Buenos Aires, muy joven donde inició los estudios musicales, dedicándose preferentemente al bandoneón que comenzó a tocar en cafés de Barraeas. Pronto adquirió un dominio completo del instrumento que le permitió ejecutar fragmentos de páginas europeas de concierto. Fue conocido en el ambiente musical con el popular apodo de “El Alemán””. Continuó actuando en los cafés con camareras de La Boca, en la época del Centenario, y con posterioridad, en El Caburé, El Parque, La Fratinola, de Martin Garefa y Patricios. A partir de 1915 pasó a los locales nocturnos del centro donde su presitgio creció. Fue el primer músico que apareció en las orquestas típicas con bandoneón, instrumento que impuso como fundamental en la interpretación del tango. Compuso un excelente cuarteto denominado “El Alemán”, con el que grabó discos para el sello Atlanta. En 1920 formó un conjunto de ‘intérpretes valiosos como fueron Juan Carlos Cobián, Tito Roccataglista y Ciriaco Ortiz, con los que actuó en el bar Victoria, de Córdoba. En 1935, todavía actuaba con un quinteto por L.S.6 Radio del Pueblo. Fue un verdadero maestro en la enseñanza del bandoneón, con academia que había fundado en 1908, habiendo formado legiones de discípulos destacados. Autor de diversas piezas, entre ellas: El Pangaré, No hay partido sin revancha. La Carambola. Mala suerte, La gaita. Rama caída, Plus Ultra. Falleció en Buenos Aires, el 20 de setiembre de 1935.

BERUTI [BERUTTI], Arturo

Músico y compositor. Nació en San Juan, el 27 de marzo de 1862. Hijo de Arturo Luis Beruti, porteño, nieto del coronel del mismo nombre y prócer de mayo, y de Mercedes Quiroga, sanjuanina. Estudió música en Mendoza bajo la dirección del maestro Ignacio Álvarez, y luego se trasladó a Buenos Aires donde trabajó en la Aduana e ingresó a la Facultad de Derecho. A los 20 años escribió una obra para orquesta que fue ejecutada con éxito en el teatro Colón. También se conoció una Fantasía suya sobre El Gato en el Teatro Nacional. Le corresponde el mérito de haber sido el primero en poner su atención en los bailes criollos. A su descripción y clasificación, dedicó cinco artículos publicados en la revista Mefistófeles, en 1885, y un sexto inédito que llevan por título general Aires nacionales. Becado por el gobierno se perfeccionó, en Italia, y luego en el Conservatorio de Leipzig (Alemania) entre 1884 y 1887. La Banda del Rey tocó su obertura Los Andes, en Stuttgart. Después, de egresar, residió temporariamente en Berlín, París y Milán. Allí escribió sus primeras obras de mayor vuelo, entre ellas, la ópera Vendetta, presentada en el teatro Lírico, de Vercelli, en 1892.Debido al éxito obtenido, se le encomendó la ópera Evangelina, basada en la obra homónima de Longfellow, que fue estrenada en 1893 en el teatro Alhambra de Milán, y dos años más tarde en el teatro San Martín, de Buenos Aires. Luego de un fugaz retorno a su país en 1890, volvió a residir en Europa hasta 1903, consagrándose a la composición de óperas. Otro resonante triunfo fue el de Taras Bulba, estrenada en el teatro Reggio de Milán, en 1895, y luego en el teatro Opera de Buenos Aires, Solis, de Montevideo y Municipal de México. Berutti fue el primer músico argentino que logró interesar al mercado lírico de Europa. El general Mitre se lo dijo en carta fechada, el 1° de enero de 1897.Contagiado por la corriente nacionalista en auge a fines de siglo, compuso la primera ópera basada en un tema criollo: Pampa (1897), luego Yupanqui (1899); Hórrida Nox (1908); Khrysé (1902); Los Héroes (1909), estrenada diez años más tarde en el Teatro Odeón. Berutti escribió además diversas obras para orquesta: Rivadavia; colombiana, ambas de 1888, sinfonías; Sinfonía argentina (1890) y Andes (1886, obertura). Quedaron inéditas dos obras: Facundo Quiroga y El espectro. Falleció en Buenos Aires, el 3 de enero de 1938. Casó con Raquel Tobal, hijo del matrimonio fue Arturo Berutti Tobal.

BLANCO, Fidel María

Músico y compositor. Nació en Herramélluri (España), el 24 de abril de 1884.Ingresó al Conservatorio Real de Madrid, donde cursó estudios de piano, órgano, violín, armonía y composición. En 1909, partió para la Argentina, dirigiéndose primero a Buenos Aires, luego a Bahía Blanca, y por último a Mendoza, donde llegó a principios de 1910.Dedicado a la música en 1913, fue director del Conservatorio de Cuyo, incorporado al Tibuad Piazzini, de la Capital Federal, contando con la colaboración del maestro Ernesto Fluixá y dando comienzo a su labor didáctica que abarcó 35 años de constante enseñanza. Se hizo cargo de la banda de Policía, puesto que ocupó hasta el día de su muerte, con un intervalo de 1930 a 1932, en que ejerció por concurso nuevamente la dirección de dicha banda. Aparte de esa labor, participó en centenares de festivales y conciertos destinados a incrementar en la provincia la cultura musical. Creó la orquesta del Centro Ignacio Álvarez con la que ofreció más de 100 conciertos. Fue profesor de música del Colegio Nacional Agustín Álvarez y dictó una cátedra de piano en el Conservatorio de Música y Arte Escénico que dirigía a la sazón, el maestro Julio Perceval. Como compositor su producción es reducida. Falleció en Mendoza, el 2 de octubre de 1945. Casó con Lucrecia M. Muñoz.

AVILES, Adolfo Rafael

Músico, compositor y crítico. Nació en Buenos Aires, el día 11 de mayo del año 1898. Estudió música en el Conservatorio Williams, donde obtuvo su título de profesor. En la década del ’20 actuó como pianista poniéndole sonido a las películas mudas. Fue luego director de conjuntos de jazz. Atraído por la música popular compuso numerosas piezas de las cuales alcanzó mayor difusión la zamba Los ojazos de mi negra, dedicado a su mujer “Matonia”, y más tarde, el tango Cicutrices, sus dos mayores éxitos. También puso música a la revista “Hay que ver para creer”, estrenada en el teatro Excelsior, en 1925.Trabajó en Radio Cultura dirigiendo conjuntos musicales, imprimió discos Odeón casi todos bailables, grabados por Max Glucksmann. Organizó y dirigió conciertos a través de Radio Rivadavia y efectuó reportajes, y charlas sobre cine ejerciendo la crítica en forma amena pero incisiva, por Radio Splendid, a partir de 1932. Esta última actividad la desarrolló en forma oral y escrita, que lo llevó varias veces como corresponsal a Hollywood, la meca del cine. Compuso además otros tangos que le valió el aplauso del público, entre ellos: Desolación; La borrachera del tango; Micifuz y Tesorito y el foxtrot La canción del ukelele. Falleció en Buenos Aires, el dia 9 de diciembre del año 1971. “Era Avilés, un hombre gentil, culto, respetuoso, de aire un tanto doctoral, medido en sus gestos y en su decir”, según Benarós.

AVELLANEDA, Pepita

Cancionista. Nació en Buenos Aires, en 1880. Adoptó ese seudónimo, pues su nombre y apellido era el de Josefina Calatti. Fue conocida en el ambiente como la tonadillera de mayor popularidad a comienzos de siglo en Montevideo, y en Buenos Aires. Alcanzó celebridad en los cafetines de La Boca, en teatros picarescos como el Cosmopolita, Alcazar, en el Armenonville y Palais de Glace. Contribuyó a introducir el tango cantado de los tiempos iniciales, con letrillas humorísticas y atrevidas. Estuvo vinculada a muchos cultores del tango como Ángel Villoldo, Ponzio, Pacho y Saborido, entre otros. Compartió con el actor Florencio Parravicini las veladas nocturnas en teatro y el cartel del Variedades. Fue la primera mujer que se vistió de hombre para actuar en escena. Terminó en la miseria a avanzada edad, atendiendo el guardarropa de damas del cabaret Chantecler, en esta ciudad, el 21 de julio de 1951.

AYESTARAN, Lauro

Musicólogo. Nació en Montevideo (Rep. O. del Uruguay), el día 9 de julio del año 1913. Comenzó muy temprano su labor periodística, y a los 18 años, ya era crítico cinematográfico y después musical en “El Bien Público” donde utilizó el seudónimo de “Ural’. En este carácter colaboró en otros periódicos uruguayos, y es considerado en su país como el iniciador, hacia 1936, de una auténtica crítica musical afirmada en conocimientos profundos. Siguió en la Universidad la carrera de Derecho que abandonó por su vocación musical. Fue investigador de folklore musical uruguayo, labor encomendada por el Museo Histórico Nacional, y de la historia de la música en el Uruguay. Su labor formativa se amplió a través de la tarea de búsqueda y recolección de materiales en innumerables viajes por la campaña uruguaya; pasó largas horas con “sus músicos” los negros de Montevideo en la intimidad de sus humildes viviendas, indagó en archivos y documentó, perpetuándolo, el acervo musical de su tierra, sin olvidar ningún aporte. En Buenos Aires le cupo el honor de inaugurar la cátedra de Musicología de la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la Pontificia Universidad Católica “Santa María de los Buenos Aires’. Las solas enumeraciones de sus trabajos dan la pauta de su calidad científica. Ellos son: Domenico Zipoli, el gran compositor y organista romano de 1700 en el Río de la Platu (1941); Crónica de una temporada musical en el Montevideo de 1830 (1943); Fuentes para el estudio de la música colonial uruguaya (1947); Temas bíblicos en el folklore musical uruguayo (1947); La música indígena en el Uruguay (1949); Un antecedente colonial de la poesía tradicional uruguaya (1949); La primitiva poesía gauchesca en el Uruguay (1950); La Misa para el día de Difuntos de Fray Manuel Ubeda (1802). Comentario y reconstrucción (1952); Virgilio Scurabelli (1953); Luis Sambucetti, vidla y obra (1956); El centenario del Teatro Solis (1956); La primeru edición uruguaya del Fausto de Estanisluo del Cumpo (1959); Domenico Zipoli y el Barroco musical sudamericano (1962). Pero sobre todas ellas, su obra de envergadura es La Música en el Uruguay (1953), obra que mereció el Premio Nacional de Historia, y de la que lamentablemente sólo salió un tomo, de gran valor. Participó en varios congresos y en conferencias latinoamericanas de musicología que se llevaron a cabo en Estados Unidos. Fue miembro de número del Instituto Histórico y Geográfico del Uruguay, de la Sociedad Internacional de Musicología, de la Academia Brasileña de Música, de la Academia Argentina de Bellas Artes y del International Folk Music Council. Falleció en Montevideo, el 23 de julio de 1966. Era de gran humildad y de hablar calmo.

BARRIENTOS, María

Cantante. Nació en Barcelona (España), el 10 de marzo de 1884. Siendo niña ingresó en la Escuela municipal de música, habiendo sido sus maestros Bonet, Pellicer y Sánchez. Terminados sus estudios, en 1899, se inició en el arte lírico con La Sonámbula, de Bellini, y luego de realizar una gira por algunas ciudades españolas, pasó a actuar en el Real de Madrid. Conquistado ya el auspicio consagratorio de la crítica en general por sus excepcionales condiciones de cantante, emprendió una excursión por los principales escenarios europeos, reafirmando cada vez más sus resonantes triunfos. En 1902 se presentó en el teatro Politeama de Buenos Aires, al que retornó dos años después. En el pleno disfrute de su fama, hubo de alejarse de la escena, para recogerse a la vida del hogar, que constituyó por largo tiempo en la Argentina. En 1911, debutó en el teatro Colón, al lado de Florencio Constantino y Ruffo, en la función llevada a cabo en la celebración del 25 de mayo, donde volvió actuar en otras temporadas. El I de junio de 1913 subió a escena en la primera matinée extraordinaria la ópera La Sonémbula, cantada por ella como soprano y acompañada por el tenor José Anselmi, bajo la batuta del maestro Antonio Guarnieri. En 1922, tras haber sido contratada en el Metropolitana Opera House de Nueva York, abandonó definitivamente su actuación de cantante lírica, dedicándose a la canción vocal de cámara. En 1924, nuevamente en Buenos Aires dio una serie de recitales en el Cervantes, acompañada por el pianista español Tomás Terán y por último, al cabo de una prolongada ausencia de este medio escénico, en 1942, dictó en el Colón un curso especial de perfeccionamiento en el teatro lírico. Falleció en Ciboural SaintJean de Luz, el 10 de agosto de 1946.El 9 de septiembre del mismo año, el Teatro Colón descubrió una placa en su memoria en el pasillo delos camrines, frente al que ella usó; además se celebró un funeral en la iglesia Ntra. Sra. de la Merced. María Barrientos estuvo dotada de múltiples aptitudes musicales. Fue su arte vocal el que iba a dominar en aquel espíritu privilegiado. Tuvo una voz natural, maravillosamente educada, que se unió a su talento interpretativo y, así, pudo ganar la fama que alcanzó en el mundo.

BARRIOS, Agustín Pio

Músico, compositor y profesor. Nació y se crio en San Juan Bautista de las Misiones (Rep. del Paraguay), el 23 de mayo de 1885. Su padre lo inició en el estudio de la guitarra y fue su maestro. En 1910, a sus 25 años salió por primera vez del Paraguay. Vinculado al Uruguay desde los comienzos de su carrera, allí completó su formación artística. Su primera presentación tuvo lugar en Montevideo en 1912, en el teatro Solís, y en la capital uruguaya continuó su trayectoria. Más tarde, en 1923, constituyó con Mario Borda Pagola y Eduardo Fabini un trío que realizó una larga gira de conciertos, violín, guitarra y arpa por Buenos Aires, y prosiguiendo por diversas ciudades argentinas, conquistó verdaderas ovaciones, obteniendo gran éxito en sus presentaciones, sobre todo por la interpretación de música paraguaya autóctona. Terminada la gira por las provincias argentinas, visitó capitales americanas, y en Buenos Aires actuó junto al actor Florencio Parravicini compartiendo el escenario con su compañía y también se presentó al mismo tiempo que Carlos Gardel en el teatro Politeama como solista. En 1934 viajó a Europa y realizó conciertos en Bélgica, Alemania, Francia y España, donde fue condecorado por la reina. Entre su admiradora se contaron el músico brasileño Héctor Villa Lobos y el ruso Igor Stravinsky. Finalizada su gira europea, recorrió Centro América, radicándose en El Salvador por invitación personal del Presidente de la República. Allí fue nombrado profesor de guitarra del Conservatorio Nacional de Música, cargo que ejerció de 1939 a 1944.Fue el primer guitarrista que llevó sus creaciones al disco cuando a partir de 1912 comenzó a grabar para el sello Odeón con el que realizó 78 obras en discos simples. El repertorio de Barrios incluía a los clásicos como Bach, Chopin. Schumann, adaptaciones de música popular y sus propias obras que llegaron a sumar 550 composiciones entre estudios y piezas de carácter folclórico. Agustín Pio Barrios, considerado como el más eximio sucesor de Tánega y Segovia. Falleció víctima de una afección cardiaca, en El Salvador. El 7 de agosto de 1944.Fue como guitarrista un talento excepcional y el primer compositor de música culta en el Paraguay. De amplio dominio de la técnica, lo mismo componía música culta que popular y romántica.

BARRIOS, Evaristo

Poeta y payador. Nació en Buenos Aires, en el barrio del Abasto, en 1889. Desde joven se sintió atraído por el arte payadores de los vates que entusiasmaban al público. Logró reconocido prestigio en ambas orillas del Plata, y fue autor de Relatos gauchos, Renglones cortos, Juan Acero, Ráfagas. Con tres tientos, Mis canciones, entre otras obras. Falleció en Montevideo, el 10 de agosto de 1959, donde se había radicado.

RACHMANINOV, SERGEI (1873-1943) Fue un pianista, compositor y también reconocido director de orquesta ruso pero nacionalizado estadounidense. Conocido en todo el mundo por su Concierto para piano N.° 2(1901), ha sido relegado por algunos historiadores al papel de simple epígono del Romanticismo y, en particular, de Tchaikovsky, fue un compositor por el que siempre confeso una profunda admiración. Sin embargo, ha compuesto otras obras de mérito, como Rapsodia sobre un tema de Paganini (1934), de singular inspiración melódica y emocionada expresividad. Ejerció la dirección orquestal y fue también un muy admirado concertista de piano.

RIMSKY-KORSAKOV, NIKOLAI (1844-1908) Compositor, pedagogo y director de orquesta ruso. Junto con Balakirev, Cui, Borodin y Mussorgsky formó el innovador Grupo de los Cinco, del cual fue quizá el miembro mejor preparado desde el punto de vista técnico. Como todos ellos, buscó dotar a sus obras de un carácter ruso más auténtico, tanto en los temas como en la música. Se inspiró para ello en personajes de la poesía popular, leyendas fantásticas y viejos cuentos y ritos eslavos. Maestro de la orquestación, que llego a ocupar un lugar destacado en la música sinfónica de finales del siglo XIX, llegando su influencia hasta Debussy y Ravel. En sus composiciones utilizó formas musicales religiosas antiguas y modos poco frecuentes, con intervalos aumentados y disminuidos. Escribió, entre otras muchas piezas, tres sinfonías (1865-1884), Sinfonietta sobre temas rusos (1884), Capricho español (1887), la obertura para la Gran Pascua Rusa (1888) y Sheherazade (1888). Finalizó y reinstrumentó algunas obras de Mussorgsky (Khovant-china y Boris Godunov, entre otras), de Borodin (El príncipe Igor), de Dargomijsky (El convidado de piedra) y preparó numerosas partituras de Glinka para su edición. Entre sus óperas se encuentran títulos como Sadko (1895-1896), El zar Saltan (1900) y La leyenda de la ciudad invisible de Kitejy de la virgen Fevronia (1903-1905). Como pedagogo de la música, además de sus 35 años como docente del Conservatorio de San Petersburgo (fue maestro de Glazunov, Prokofiev y Stravinsky), dejó escritos dos libros: Tratado práctico de armonía y Principios de orquestación.

ULANOVA, GALINA (1910-1998) Bailarina y maestra de ballet rusa. Fue una de las figuras más talentosas y populares del mundo del ballet, por muchos considerada la mejor bailarina del siglo pasado y para quien Prokofiev escribió tres ballets. En 1944 fue nombrada prima ballerina del Ballet Bolshoi de Moscú, donde estrenó el papel protagónico de Cenicienta (1945), con música de Prokofiev y coreografía de Rostislav Zakharov. Actuó jen el Ballet Bolshoi en el Festival de Cannes de 1954, y en el año 1956 filmó en Londres la película Giselle. Desde 1959hasta poco antes de su muerte fue profesora y maestra del Ballet BoIshoi, donde formó a bailarinas tan famosas como Ekaterina Maximova, Nina Timofeyeva, Ludmila Semenyaka o Nina Semizorova.

TCHAIKOVSKY, PYOTR ILICH (1840-1893) Compositor ruso autor de algunas de las obras de música clásica más famosas de todos los tiempos como, por ejemplo, los ballets El lago de los cisnes y El cascanueces, la Obertura 1812, el Primer concierto para piano, el Concierto para violín y sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta (Patética). Su obra tuvo influencias de los románticos alemanes y franceses, pero impregnada a menudo de la música del folclore ruso. Toda su producción, muy criticada en su época por considerársela vulgar y efectista, contiene momentos de gran fuerza emocional, con exaltaciones sentimentales y nostálgicas. Además de obras orquestales y para conjuntos de cuerdas, compuso numerosas canciones, piezas para piano y diez óperas, entre las cuales La dama de pique y Eugenio Oneguin son las más difundidas.

USSACHEVSKY, VLADIMIR (1911-1990) Compositor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los más destacados creadores de música electrónica de los Estados Unidos. Compuso sus primeras obras, de estilo neorromántico, para instrumentos tradicionales, pero desde 1951 comenzó sus experiencias en el campo de la creación musical con aparatos electrónicos. En 1959fundó el instituto Columbia Princeton Electrónica Music en Nueva York, y también enseñó y fue compositor residente en la Universidad de Utah. Entre sus obras más destacadas figuran Metamorfosis (1957), Contrastes lineales (1958), Wireless Fantasy (1960) y Mlissa Brevis(1972).

URBANIAK, MICHAL (n. 1943) Violinista, saxofonista y compositor polaco de jazz. Radicado en los Estados Unidos desde 1973, ha desempeñado un papel central en el desarrollo de la fusión, al combinar elementos del jazz, la música folk, R&B y hip hop con el género sinfónico. Lideró el grupo Urbanator, con Lenny White (batería), Al McDowell (bajo)y John Dryden (teclados). Toca un violín de cinco cuerdas especialmente construido para él

SZYMANOWSKI, KAROL (1882-1937) Compositor polaco. Formado en Varsovia, su obra, primero influenciada por Chopin y Scriabin, evolucionó mejorando la tecnica hacia la politonalidad e incluso, la atonalidad, tomando elementos del folclore polaco. Sobresaliente concertista de piano, compuso para este instrumento varias mazurcas y una sonata. Escribió también numerosas canciones, música sinfónica (Sinfonía N.° 3 y dos conciertos para violín, 1916 y 1933), dc cámara (dos cuartetos de cuerda, 1917 y 1927), religiosa (Stabat Mater, 1925-1927)y para la escena (óperas gith.1912-1913 y El rey Roger,1924;ballet Harnasic,1935). 

TORRES, JAIME (n. 1938) Charanguita argentino. Ha ganado repercusión mundial por la destreza en la ejecución de su instrumento. Fue discípulo del maestro y lutier boliviano Mauro Núñez, quien le construyó sus primeros charangos. En 1974 participó con su banda folclórica en el show de apertura del campeonato mundial de fútbol en Alemania. Compuso la música para la película La deuda interna, fue intérprete destacado en la grabación de la Misa criolla y ha tocado en los más grandes escenarios del mundo, incluyendo el Teatro Colón de Buenos Aires, el auditorio de la Filarmónica de Berlín, la Sala Octubre de Leningrado y el Lincoln Center de Nueva York.

UGARTE, FLORO (1884-1975) Compositor y pedagogo argentino. Tras estudiar armonía y violín en Buenos Aires, amplió su formación en el Conservatorio de París, donde fue discípulo de Félix Fourdrain, quien le impartió clases de contrapunto, composición e instrumentación. Su obra, cercana al nacionalismo musical, se caracteriza por sus estructuras melódicas simples y el uso de ritmos y de melodías extraídos del folclore argentino. Escribió algunas obras didácticas como Curso dc armonía elemental (1920) y Elementos de acústica (1930). Sus más destacadas composiciones sinfónicas fueron suites, como Paisajes de estilo y Escenas infantiles y el ballet El junco (1945). De entre todas sus composiciones líricas sobresale la opereta Saika (1920), considerada su obra maestra y a la que también puso letra. Ejerció además la dirección del Teatro Colón entre 1937 y 1943.

VARDARO, ELVINO (1905-1971) Violinista, compositor y director de orquesta de tango argentino. En sus inicios tocó con Osvaldo Pugliese, Anfbal Troilo y Osvaldo Fresedo. Fue un sobresaliente violinista que tenía el absoluto domino del instrumento y de los recursos de ejecución. Poseía una impecable destreza en el manejo del arco y una dúctil mano izquierda que le permitía llegar a las notas más agudas con naturalidad. Por su estilo pertenecía a la escuela renovadora de Julio De Caro. Entre sus composiciones figuran los tangos Grito del alma, Un beso, El repique y Fraymilonga.

VEGA, CARLOS (1898-1966) Musicólogo argentino. Fue considerado el fundador de la investigación folclórica musical latinoamericana, realizó numerosos viajes de estudio, dirigió el Instituto Nacional de Musicología, fue docente de la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la Universidad Católica Argentina y publicó numerosos libros especializados, entre ellos Danzas y canciones argentinas (1936), La música popular argentina (1941), Música sudamericana (1946) y El origen de las danzas folklóricas (1956).Compuso también algunas piezas musicales, como Andantino, andante y plegaria para guitarra (1929) y Danzas y canciones para orquesta(1943).

VILLOLDO, ANGEL (1861-1919) Guitarrista, compositor y cantante de tango argentino. Pionero del género, fue considerado como el “padre del tango”. Gran conocedor de los tanguillos españoles, los cuplés ý las habaneras, supo amalgamar esos ritmos para verterlos en ese nuevo estilo que a principios del siglo XX estaba naciendo en Buenos Aires, el tango. De toda su producción se destaca en primer lugar, El choclo, que hubiera sido algo así como el himno tanguero de no haber existido La cumparsita. Escribió también otros tangos célebres como El porteñito, La morocha, El esquinazo, Trigo limpio y Yunta brava. 

WILLIÁMS, ALBERTO (1862-1952) Compositor argentino. Inspirándose en las canciones y danzas populares de su país, se propuso crear una música genuinamente argentina, tendencia que inició con la pieza para piano El rancho abandonado. Sus composiciones incluyen dos oberturas de concierto, nueve sinfonías, tres poemas sinfónicos, música de cámara, coral, canciones y mis de 300 composiciones para piano. Además de la composición, se dedicó al estudio de la música, a cuya difusión contribuyó notablemente con sus textos de naturaleza crítica y didáctica. Entre ellos cabe recordar: Teoría de la música, Antología de compositores argentinos y Pensamientos sobre la música.

TAPAJÓS, SEBASTIÃO (n. 1944) Guitarrista y compositor brasileño. De formación académica, desarrolló una vasta labor de fusión de los ritmos folclóricos de su país con los más diversos estilos musicales. Tocó con Hermeto Pascoal, Waldir Azevedo, Gerry Mulligan, Astor Piazzolla, Oscar Peterson y Paquito D’Rivera. en mover rítmicamente los pies realizando una suerte de zapateado musical. Es improvisado, sin coreografía alguna, y se cree que proviene de la fusión de las típicas danzas de zuecos de Irlanda y Escocia, con los bailes practicados por los afroamericanos entre el siglo XVII y el XVIII. Tuvo su auge en las décadas de 1930 a 1950, cuando se multiplicó en diversos musicales de Hollywood con artistas como Fred Astaire (Sombrero de copa, 1935; Bailando nace el amor, 1942) y Gene Kelly (Bailando bajo la lluvia,1952).

VILLA LOBOS, HEITOR (1887-1959) Compositor brasileño. Autor de una obra de colosales proporciones, con cerca de dos mil composiciones que abarcan todos los géneros, es la figura esencial de la música brasileña. En 1915 se dio a conocer, no sin polémica, en un concierto celebrado en Río de Janeiro e integrado por sus propias composiciones, cuya novedad chocó con el conservadorismo del público. Una beca que obtuvo en 1923 le permitió afianzar su formación en París y a su regreso ejerció la enseñanza en distintos centros, al tiempo que su música conquistaba el reconocimiento nacional e internacional. De su abundante producción sobresalen las nueve Bachianas brasileiras (1932-1944), en las que se propuso sintetizar el contrapunto de Bach con las melodías populares de su tierra.

SAINT-SAËNS, CHARLES-CAMILLE (1835-1921) Compositor, organista y pianista francés. Abarcó todos los campos de la música y todas las combinaciones instrumentales y vocales posibles. Algunas de sus producciones orquestales más importantes fueron los poco más sinfónicos La rueca de Onfalia (1871), Phaéton (1873), Danza macabra (1874) y La juventud de Hércules (1877). Escribió también cuatro conciertos para piano, de alto nivel de perfección en cuanto a la forma ya la estructura. Liszt, su gran admirador, promovió en Weimar el estreno de la ópera Sansón y Dalila, celebrada el 2 de diciembre de 1877. Otras obras destacadas: dos conciertos para violín (1879 y 1880), la Sinfonía en do menor para órgano y dos pianos (1886) y El carnaval de los animales (1886).

SALGÁN, HORACIO (n.1916) Pianista, compositor, arreglador y director de orquesta de tango argentino. Dotado de una sólida formación musical, desarrolló un estilo de tango evolucionado, de impecable calidad sonora y audaz por su avanzada estructura armónica. En 1960 formó y dirigió el histórico Quinteto Real, cuyo objetivo era crear tangos instrumentales diseñados más para escuchar que para bailar. Lo acompañaron Enrique Mario Francini en violín, Pedro Láurenz en bandoneón, Ubaldo De Lio en guitarra y Rafael Ferro en contrabajo. Como compositor, sus temas más destacados fueron A fuego lento, Don Agustín Bardi, Entre tango y tango, Grillito, La llamó silbando y Cortada de San Ignacio (milonga).

SALIERI, ANTONIO (1750-1825) Compositor y pedagogo italiano. Aunque en su tiempo fue uno de los compositores más apreciados, en la actualidad es más conocido por su rivalidad con Mozart que por su propia labor creativa, sin duda por haber sido protagonista de una leyenda, surgida durante el Romanticismo, que lo acusaba de haber envenenado al genio de Salzburgo. En su juventud logró ingresar en la corte austríaca, al servicio de la cual iba a desarrollar toda su carrera y en la que fue maestro de capilla, teniendo como discípulos a Beethoven, Schubert y Liszt. Muy pronto se dio a conocer como autor de óperas cómicas en el teatro de la corte. En 1771, con Armida, se inició en la ópera seria. En 1784 estrenó en París su obra maestra, Las Danaides, ópera de clara vena melódica impregnada de un fuerte dramatismo: arias, duetos y coros se suceden en un sugestivo crescendo, en el que la música y el argumento se funden en valores expresivos que preanuncian, en cierto sentido, el teatro romántico. De sus restantes óperas merecen citarse Las mujeres literatas (1770), Don Quijote (1770), Europa reconocida (1778), Tarare (1787) y Falstaff (1799).

SALUZZI, TIMOTEO (Dino) (n. 1935) Bandoneonista argentino. Intérprete difícil de encasillar en un determinado género, ha sabido fusionar con maestría la música clásica con lenguajes populares tan disímiles como el tango, el folclore y el jazz. Figura cumbre de la renovación folclórica argentina en la década de 1960, llegó a ser un indiscutible referente del jazz internacional. La etapa mejor documentada de su carrera es la registrada en el sello alemán ECM, que comenzó en 1982 con Kultrum, un álbum con improvisaciones en solo de bandoneón (con algunas incursiones en bombo y en voz). En 1985integró un grupo con el trompetista Palle Mikkelborg (quien había asistido a Miles Davis en sus últimas grabaciones), el contrabajista Charlie Haden y el percusionista Pierre Favre. Mojotoro, de 1991, fue el primer disco en el que aparece su familia junto a Guillermo Vadalá. Ojos negros, con la cellista Anja Lechner(2006) y El encuentro(2012) con Lechner y la Orquesta Metropole dirigida por Jules Buckley, se completa una discografía deslumbrante donde la norma es la variación casi permanente.

SAMMARTINI, GIOVANNI BATISTTA (1700-1775) Compositor italiano. Influyó sobre Gluck y sobre el joven Mozart, que tocó delante de el en Milán en 1770. Compuso óperas (Agripina, esposa de Tiberio,1743), música religiosa (Jesús niño adorado por los pastores, 1734) y de cámara, sonatas, conciertos y, sobre todo, sinfonías, que se anticiparon a las de Haydn y merecieron sus elogios.

SANDOVAL, ARTURO (n.1949) Trompetista de jazz cubano. Fundó el grupo Irakere con el saxofonista Paquito D’Rivera y el pianista Chucho Valdés, que llegó a ser el conjunto de jazz más importante de Cuba, con presentaciones aplaudidas en el Festival de Jazz de Newport. Su carrera se enriquece por su condición de intérprete virtuoso de música clásica, como lo demuestra en la grabación de The Classical Álbum, que contiene conciertos para trompeta de Hummel y Mozart, como así también su propio Concierto para trompeta y orquesta.

SANTAMARIA, RAMÓN (Mongo) (1922-2003) Percusionista y director de orquesta cubano. Fue una de las fi-guras más destacad as del jazz latino. Tocó en diversas orquestas, entre ellas, las de Pérez Prado, Tito Puente, Willie Bobo y Cal Tjader, y frecuentó la bossa nova de la mano de Elis Regina. A partir de 1961 comenzó a liderar sus propios grupos, incorporando a músicos como Joao Donato o Chick Corea.

SANTANA, CARLOS (n.1947) Guitarrista de rock mexicano nacionalizado estadounidense. Comenzó a poner de manifiesto su peculiar estilo, hecho de una mezcla de música latina con el rock, sin desdeñar el jazz ni el funk, en 1969, cuando presentó en el festival de Woodstock uno de sus temas, Oye cómo va, ejemplo de música caribeña con toque rockero. Siempre acompañado de su guitarra Gibson-335, en la década de 1980 trabajó en piezas de rock fácilmente digeribles y desarrolló a la vez su faceta jazzística. En 1990apareció su siguiente álbum, Spirits Dancing in the Flesh, calificado por los críticos como su más ambicioso y completo trabajo artístico. Más tarde se acercó al pop con discos como Supernatural (1999) y Shaman(2005).

SCHUMANN, ROBERT ALEXANDER (1819-1856) Compositor alemán. Tanto su vida como su obra lo convierten en uno de los máximos exponentes del Romanticismo musical alemán. La literatura y la música compartieron sus inquietudes artísticas durante su juventud, hasta el punto de que estuvo dudando entre ambas vocaciones. Aunque acabó imponiéndose la música, nunca abandonó la escritura de poemas en la mi pura tradición romántica, la de sus admirados Goethe, Schiller, Novalis, Byron y Hölderlin. Fue, además, fundador y redactor de la Neue Zeitschrift fur Musik (1834), publicación que se convirtió en el órgano difusor de las teorías musicales mis progresistas de su época. De su obra orquestal se destacan sus cuatro sinfonías, el Concierto para piano (1841-1845), el Concierto para violoncelo (1850) y el Concierto para violín (1853). De su música de cámara sobresalen el Trio N.” 1 cm re menor (1847), el Cuarteto N.”1 en la menor (1842), las Escenas de cuentos para viola o violín y piano. Finalmente, su música para piano solo, capítulo fundamental de toda su producción, comprende Manposas (1829-1832), Carnaval op.9(18341835), Estudios sinfónicos (1834). Fantasía en do mayor (1836), Escenas de niños (1838), Fantasía krcisleriana (1838), Sonata N.° 2 (1833-1838), Arabeske (1839), Carnaval de Viena (1839), Álbum para la juventud (1848) y Escenas del bosque (1848-1849). entre otras.

SCHÜTZ, HEINRICH (1585-1672) Compositor alemán. Considerado como el más destacado precursor de Bach, ocupó en la historia musical de su tiempo un puesto similar al de Monteverde. Su principal aporte consistió en la síntesis de las tradiciones alemana e italiana, al incorporar a la primera las innovaciones formales e instrumentales de la segunda. Su obra representó la transición a la expresividad barroca. Músico eminentemente sacro, su primera obra publicada fue empero un volumen de madrigales italianos (1611). Se le debe también la primera ópera alemana, Daphne(1627), hoy perdida. De su producción se destacan los Salmos de David, publicados en 1619 y escritos según el modelo poli coral establecido por su maestro Gabrieli, tres libros de Symphoniae sacrae(1629,1647 y 1650),dos volúmenes de Pequeños conciertos espirituales(1636 y 1639) y, ya en los años finales de su vida, tres Pasiones(1666).

SCRIABIN, ALEXANDER (1872-1915) Compositor y pianista ruso. Sus comienzos estuvieron influidos por Chopin y el Romanticismo tardío, y a ese período inicial pertenecen sus obras para piano hasta la op.29, las dos primeras Sinfonías y el Concierto para piano. Pero su búsqueda de una expresión estática y contemplativa, ligada a una concepción religiosa y mística del arte, lo fue aislando de la música de sus contemporáneos. A partir de 1907 prima en su obra la idea mesiánica de la función redentora de la música y, así surgen Poema del éxtasis, las seis últimas sonatas para piano y Prometeo.

SEGOVIA, ANDRÉS (1893-1987) Guitarrista español. Su necesidad de renovar el repertorio guitarrístico lo llevó a realizar numerosas transcripciones de obras de Isaac Albéniz, Bach o Chopin, y encargos de partituras nuevas a compositores como Milhaud, Moreno Torroba, Ponce, Joaquín Rodrigo o Heitor Villa-Lobos, entre otros, a lo largo de sus más de tres cuartos de siglo de carrera.

SESSIONS, ROGER (1896-1985) Compositor y pedagogo estadounidense. Estudió con Ernest Bloch y amplió sus conocimientos musicales en Europa (1925-1933). Tras su regreso a EE. UU., enseñó en Princeton, Berkeley y Harvard. De su obra, caracterizada por un neoclasicismo muy personal y elaborado, se destaca la parte instrumental: ocho sinfonías (1927-1968), conciertos, cuartetos de cuerda y sonatas. Es también autor de las óperas El proceso de Lúculo (1947), con texto de Bertolt Brecht; Moctezuma (1947-1963) y de la obra vocal El idilio de Teócrito (1957), para soprano y orquesta.

SHANKAR, RAVI (1920-2012) Músico y compositor in-dio. Director en 1948-1956 del conjunto instrumental de la emisora radial All India, a partir de la década de 1960, tras fundar la escuela de música Kinnara en Bombay, inició sus giras internacionales como intérprete de sitar. A él se debe en buena parte el auge que tuvo por entonces la música oriental en Europa y Estados Unidos, en coincidencia con el movimiento hippie. Colaboró con Los Beatles y actuó con George Harrison en cl Concierto para Bangla Desh. Sus composiciones mis conocidas son los dos conciertos para sitar(1971 y 1981)y sus balets Inmortal India y Discovery of India (1944), Samanya Kshati(1961)y Chandalika (1962). Fue autor también de música para el cine, como la banda sonora de Gandhi, de Richard Attenborough (1981).

SHAW, ARTIE (1910-2004) Clarinetista y director de orquesta de jazz estadounidense, cuyo verdadero nombre es Arthur Jacob Arshawsky. Dirigió una big band de gran éxito entre 1937 y 1954, que compitió con la de Benny Goodman y en la que revistaron solistas como los trompetistas Roy Eldrige y Oran Hot Lips Page y la vocalista Billie Holiday.

SHORTER, WAYNE (n. 1933) Saxofonista y compositor de jazz estadounidense. Su carrera tuvo hitos nada comunes para un músico del género: tocó con los Jazz Messengers del baterista Art Blakey (1959-1963), luego se incorporó al célebre quinteto de Miles Davis (1964-1970) y después formó junto al tecladista Joe Zawinul el grupo de jazz-rock Weather Report. En todo ese brillante recorrido demostró su capacidad para experimentar formas más libres e innovadoras, que ejercieron gran influencia en músicos de las nuevas generaciones.

YOSUKE YAMASHITA (n.1942) Pianista y compositor de jazz japonés. Es uno de los músicos japoneses de jazz más reconocidos en el mundo occidental. En 1969formó un trío (piano, saxo y batería) con el que desarrolló un free jazz muy virulento. Años más tarde creó una big band, con la que organizó conciertos de fusión con percusión tradicional japonesa. Hizo numerosas giras internacionales y tocó con Elvin Jones, Mal Waldron, Bill Laswell, Joe Lovano y Cecil Mc Bee. Entre los numerosos álbumes que grabó se destacan Banslikana (1976), Inner Space (1977),Kurdish Dance(1993),Fragments 1999(1999)y Resonant Memories(2000).

YUN ISANG (1917-1995) Compositor coreano. Formado en Paris y Berlin, donde se instaló en 1964, ha intentado realizar con su obra una síntesis entre la música de Extremo Oriente (especialmente la coreana) y el dodecafonismo occidental. Compuso obras para orquesta (Reak,1966) y orquesta de cámara (Loyang, 1962), para órgano (Tubos sonoros,1967), violoncelo (Glissées,1970), un concierto para violoncelo (1976), uno para flauta y orquesta de cámara (1977), uno para clarinete (1981), uno para violín (1982),y varias óperas.

YAMADA, KÖSAKU (1886-1965) Compositor y director de orquesta japonés. Fue el primer compositor japonés que recibió una educación musical europea y trabajó dentro de la tradición académica occidental. Tras su formación inicial en la Academia Imperial de Música de Tokio, viajó a Alemania para estudiar composición en la Hochschule für Musik de Berlín. Escribió seis óperas, dos cantatas, una sinfonía, dos poemas sinfónicos, dos suites de ballet y numerosas obras corales. También adaptó canciones japonesas populares.

NIELSEN, CARL AUGUST (1865-1931) Compositor danés. Escribió seis sinfonías, de las cuales las dos primeras (1892 y 1902) observan la forma clásica del género. En la tercera (1911) sigue el elemento formal clásico, pero el tema y los ritmos son ya personales. En la cuarta (1916) dio gran originalidad y dinamismo a sus ritmos. La quinta (1922) es la más larga, aunque solo presenta dos movimientos, y la sexta (1925) tiene carácter de música de cámara. Fue autor de las óperas Saúl y David (1901), con grandes coros polifónicos, y Maskerade(1906), de carácter cómico.

NILSSON, BIRGIT (1918-2005) Soprano sueca. Poseedora de una poderosa vena lírico dramática, fue la máxima cantante wagneriana de su generación. Famosa por sus interpretaciones de Brunilda (El anillo del Nibelungo) e Isolda (Tristán e Isolda), se destacó también protagonizando óperas de Richard Strauss (Elektra, Salome) y Puccini(Turandot).

PLEYEL, IGNAZ JOSEPH (1757-1831) Compositor, editor de música y fabricante de pianos austríaco. Fue discípulo de Haydn y ejerció como maestro de capilla de la Catedral de Estrasburgo (1789-1795); con posteriori-dad, se trasladó a París, donde fundó una editorial de partituras musicales y una fábrica de pianos. Es autor de un Método de piano y de abundante música de cámara (64 cuartetos), instrumental (para violín y piano) y sinfónica.

REGER, MAX (1873-1916) Compositor y pianista alemán. Dueño de una excepcional maestría en el contrapunto y un vivísimo apego a las formas de los autores clásicos, demostró su evidente oposición al Romanticismo en la mayor parte de sus composiciones para órgano, como la Fantasia y fuga sobre un tema de Bach op.46, las Variaciones y fuga sobre un tema original op.73, las monumentales Variaciones y fuga sobre un tema de Beethoven op. 86 y en la Introducción, pasacalle y fuga op.96 para dos pianos. Autor también de música coral y orquestal, escribió una serie de motetes para la iglesia de Santo Tomás y las Variaciones y fuga sobre un tema de Hiller op.100. En sus obras de cámara se destaca uno de sus trabajos más perfectos y significativos, el Cuarteto op.109, y también el Sexteto op.118.

REINHARDT, JEAN-BAPTISTE(Django) (1910-1953) Guitarrista de jazz de origen gitano, nacido en Bélgica. Es considerado uno de los intérpretes de guitarra más notables que tuvo el jazz, referencia indiscutible para todo guitarrista hasta el presente. Fue uno de los fundadores del Hot Club de Francia, en 1934, e integrante del célebre quinteto de ese nombre junto al violinista Stéphane Grapelly.

RUSSELL, LUIS (1902-1963) Pianista y director de orquesta de jazz panameño. En 1919 emigró a Nueva Orleans, donde comenzó su carrera como pianista profesional. Años más tarde, establecido en Chicago, integró diversos conjuntos pequeños de jazz hasta que en 1927 se incorporó a la orquesta de King Oliver, con la cual llegó a la ciudad de Nueva York en 1927. Dos años más tarde formó su propia orquesta, de diez músicos, con la que grabó una serie de discos que están considerados entre los mejores del género en esa época. La suya fue una de las primeras grandes bandas negras que realizó grabaciones con Louis Armstrong como trompetista. Ambos músicos trabaron una estrecha relación profesional, que los llevó a superar cada vez más sus performances, uno como arreglador y el otro como trompetista estrella. Finalmente, en 1935, Armstrong asumió formalmente la dirección de la orquesta, que durante los siguientes ocho años iba a presentarse con su propio nombre, aunque con Russell presente siempre como arreglador en las sombras.