Nacimiento del Arte Profano

Aunque todos los pueblos europeos, desde sus orígenes, han tenido manifestaciones musicales, la fuerte presión de la Iglesia y los pocos conocimientos que se poseen de la vida popular europea, hacen que de los diez primeros siglos cristianos sólo se conozca el arte religioso. Tuvo que producirse una profunda modificación social para que saliesen a luz el canto y el baile populares, estilizados al comienzo a fin de adecuarlos al gusto de los primeros señores feudales. Músicos, cantantes con diversos nombres minstrels, trovadores, minnesinger, juglares, etc., peregrinaron de castillo en castillo, donde amenizaron con poesías y canciones las fiestas y los torneos. Al comienzo, sus temas guardaron aún relación con la Iglesia, pero poco a poco cambiaron, para cantar las hazañas caballerescas y el amor corte sano. Las Cruzadas dieron fuerte impulso a este movimiento musical y poético, que puede resumirse con el nombre de trovadoresco y que significa la primera eclosión del arte popular, aunque estilizado por los artistas en suelo europeo. Las melodías, muchas de las cuales se han conservado, demuestran ya cierta simetría, fundamentos tonales y cadencias que no provienen del canto gregoriano y que pueden ser tomados como auténticamente europeos. Los trovadores acompañaron sus cantos con pequeñas arpas de mano, laúdes e incluso instrumentos de arco precursores de las violas.

Entre los trovadores, hubo no pocos representantes de las más altas capas sociales: reyes, príncipes y otros nobles.

En las ciudades alemanas, el movimiento de los minnesinger (lo que textualmente significa cantores del amor) desemboca hacia el siglo XIV en la primera manifestación musical de la burguesía naciente; se forman asociaciones llamadas escuelas, que establecen reglas muy rígidas tanto para la poesía como para la música, en contraste con la libertad de los trovadores, quienes crearon casi por pura inspiración. A medida que entraron siglos más tarde, será un sistema vertical: se consideran las combinaciones de sonidos simultáneos). El poeta y músico francés Philippe de Vitry (1291-1361) dio al movimiento musical de su tiempo el nombre de ars nova. También el teórico del siglo XIV Johannes de Muris, empleó el en decadencia los últimos trovadores y minnesinger, sus sucesores burgueses, los meistersinger o maestros cantores, tomaron las riendas del arte. No fueron músicos profesionales, sino gente de los más variados oficios en las nuevas ciudades. Su entusiasmo por el arte es sumamente meritorio, incluso en ciertos excesos de severidad con que observaron e hicieron observar sus reglas.

El Ars Nova (Siglos XIV y XV)

La polifonía había hecho tantos progresos hacia el siglo xiv, que puede considerarse como única expresión musical de la época. Las líneas melódicas que se combinan y siguen paralelamente sus cursos, han formado un sistema que se rige por las reglas del contrapunto. Es un sistema horizontal que contempla la evolución melódica de diversas voces simultáneas. (La armonía, tres términos. Se trata de un movimiento revolucionario contra el ars antigua y sus organum y conductus, que fueron reemplazados por nuevas formas, como el motete, el madrigal y varios tipos de lied o canción. Muy importante en este estilo es el canon y varias formas similares (como la caccia), todas ellas precursoras de la fuga. En el canon, todas las voces cantan lo mismo, pero entrando en forma escalonada; el estilo, por esto, lleva también el nombre de imitatorio, ya que una voz imita a la otra, anterior. No es necesario que todas las voces tengan exactamente igual tema; muchas veces sólo la cabeza del tema es la misma, prosiguiendo luego cada una de distinta manera.

Entre los muchos compositores de la ars noca se distingue el francés Guillaume de Machaut o Machault (1300? 1377), quien dejó motetes, misas y bellas baladas.

EL RENACIMIENTO MUSICAL Y EL APOGEO DE LA POLIFONIA

La Escuela Flamenca

El siglo xv marca una verdadera eclosión en materia musical. Su primer centro fue Flandes donde a la sazón también actuaron los más insignes pintores de la época; luego extendiese el movimiento hacia los Países Bajos e Inglaterra y finalmente hacia el Sur. Fue en Italia donde estos grandes músicos acabaron por tener sus más ilustres sucesores.

Las escuelas flamencas, neerlandesa y franco belga, como también la inglesa y por último la italiana, son de neto corte polifónico. La evolución del contrapunto permite combinar cada vez más voces (que lo mismo pueden ser humanas que instrumentos), y las obras adquieren así creciente grandiosidad. Misas de 24 y también de 30 y 36 voces ya no son excepciones. Los maestros dominan el oficio del compositor a tal punto que, a menudo, surgen obras creadas por el puro placer de ostentar tanta maestría y perfección. Entre los compositores de los siglos XV y XVI abundan las figuras de primera magnitud. Recuérdese tan sólo a Guillaume Dufay, Gilles o Egidio Binchois, John Dunstable o Dunstaple;a Heinrich Isaak (1440?-1517),autor de una melodía cantada hasta el día de hoy (Innsbruck,debo dejarte); al gran Josse o Josquin Des Pres o Després (1450?-1521) y a Adriaen Willaert (1480-1562),quien trasladó a Italia la técnica flamenca. No hay que olvidar a Johannes Ockeghem (1430? -1495?), y al importante Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621). Lamentablemente, sólo se ha conservado una mínima parte de las obras debidas a los maestros nombrados; quien las oye no es fácil ejecutarlas en su forma original experimenta la grandiosa impresión de hallarse ante una manifestación de auténtico misticismo.